情報メディア問題入門2020前期10映画の技法Forms13投稿集

情報メディア問題入門2020前期10映画の技法Forms13
97 件の回答
97
応答
平均所要時間: 42 分 52 秒
42:52
完了するのにかかった平均時間
フォームの状態は 終了済み です
終了済み

1. 日本語自動翻訳を利用して次の2つの解説動画のうち1つを観てノートを取って下さい。 ミザンセン How to Speak Movie Part 2: Mise en Scène https://youtu.be/clBT7O3A3wI 編集 How to Speak Movie Part 3: Editing https://youtu.be/NUryfkLSwfM もしリンク先に行けなかったら、YouTube内で「How to Speak Movie Part 2: Mise en Scène」か「How to Speak Movie Part 3: Editing」で検索して下さい。
97応答
ID
応答
ミザンセン セット ドレッシング→雨 衣装 小道具→ライトセーバー 三つの光→それぞれ別のとこを照らしている カラーのバランスは大事 奥の方のスペースにも気を使っている 
映像を撮るにあたってカメラなどがある方が簡単に撮れたり、カットすることが出来る。以前はそういう機械が無かったため一回ごとに動作をしなくてはならなかった為とても時間がかかってしまった。また、スクリーンも場面ごとに止めずに継続して行うようにしていた。また、見てくれる人に分かりやすいような動きするようなこともした。 ※字幕翻訳YouTubeで見たんですけど出来なかったのでうまく訳すことが出来ませんでした。 
前回のビデオではカメラの配置がストーリーですがこれらはパンとバターが真実を打つ基本的な用語にすぎませんショットの強みはそのユニークな品質は所謂中間子の罪これはフランス語です。映画の全体的な外観を説明する用語です。どのようにしてステージに配置しますか。カメラをシーンから削除してディレクターな開始する装飾を見て見ましょう。屋外かどうかに関わらずショットの設定を選択してシーンを設定する。屋内の実際の場所のセットまたはグリーンスクリーン上で合成。屋内の実在の場所が選択されるとシーンが発生する場所です。最初にオブジェクトを使用し次にアクターを使用します。セットとレッシングと呼ばれスタジオのバックロットがどのようであったかを示すことができます。最初はもだんな設定として完成しその後30年間それ自体を矯正しました。より若いまたはオブジェクトはこれらの写真のように性格を示すことが出来ます。この男をキャストに残した行動の説明として役立つことがあります。この老朽化したセットの水がどのようにシーンにテクスチャを追加できるか。オブジェクトがアクターによって使用されることを意図している場合は崩壊を示し呼び出されます。小道具は紙のような単純なものからふくざつなものまであります。武器の選択は彼らの精神的な繋がりとイデオロギーを強調します。キャラクターの違いはどよのように陽気な衣装の通知を通して示すこともできます。彼らがどのような服を着ているかこのキャラクターまたはこれらの全てがメイクの下でこれカメラが転がる前からストーリーを語り始めている全てのものです。もちろんカメラとアクションの前でも光ります。映画の照明がどれだけ重要であるか過大評価をすることは難しい。フレームは写真であり各写真は跳ね返された光をキャップチャします。主な光源としてきのうキーライトによって作成されたシャドウを埋める。バックハイトを被写体の後ろ。映画のファンならプロセスを別にするよりも結果を読む方がはるかに簡単です。この種の明るいビットとくらいビットの間の明るいくらい高いコントラスト見た目は道徳的な曖昧さなど。気分を設定しカメラと被写体に話しかけるだけで自分自身のためにあなたは光を使用するアンビエント照明でこれを見つけることができます。それはシーンやモチベーションの無い照明にありたんじゅんにかたちをつくります。カラーフィルムも苦労された。光と色だけでなく色は選択的に調整され書くシーンのグレーディングの独特外観に調整するなどシーンに合わせている。フレームショットによっても多くのパターンがある。遠方や浅いスペースなど重要なスペース使いがある。シンプルで強力なジェスチャーはこれら全ての中に空間を作り出す。 
私は、ミザンセン How to Speak Movie Part 2: Mise en の方を解説していきたいと思います。 屋外かどうかに関わらず、ショットの設定を選択してシーンを設定し、屋内の実際のセット場所かグリーンスクリーンで合成する。最初にオブジェクトを使用して、次にアクターを使用する。またそれは、セットドレッシングと呼ばれ、スタジオのバックロットがどのようであったかを示せる。 オブジェクトかまアクターによって使用されることを意図してる場合は、崩壊を示す。武器の選択は彼らの象徴を表す。キャラクターの違いは、陽気な衣装の通知を通してしめすこともできる。 映画の照明がどれほど重要であるかを過大評価するのは不可能。フレームは写真であり、各写真は跳ね返された光をキャプチャする。最も一般的な証明設定の1つは3点照明である。クローズアップに最適である。明るい色強いキー強い塗りつぶしはら低いキーの照明と比較してライトは暗い。深い影のあるハイライトは、バロックの絵画のような効果を作成する。 ロマンチックな種類の照明はほとんどの場合、照明は注目を集めない。そして死は現実的ではないがまだ2つの異なる太陽からきているとされている。その反対は光である。シーン自体の要素は、監督が創造的になることができる。フィルムの約半分が明るいかに関係なく、明るさだけですべて。 時代映画は黒白からカラーに変えてくようにしていた。しかし、シンプルだが、カラー処理は高額であった。 シーン全体が特定の色で浸されている場所に色を付けると、見えなくなる。最も有名な色合いの形式の1つはセピア色である。ほこりっぽいモノクローム時代のフィルムに色合いをつけるための一般的な色である。 プロダクションデザインかまカラーグレーディングと呼ばれるプロセスを通じて、色は選択的に調整され、各シーンのグレーディングの独特の外観になる。彩度を調整するなど、色で面白いことをする。彩度の高いシーンは刺激的な感じがでる。逆に低いシーンでは、色あせて荒涼とした感じになるが、フレームで構成され、映画の全体的なカラーパレットを構成する。 ショットをセットアップする方法は沢山あるが、ショットが強調するフレームに重みを与えたり、カメラに遠くと近くの両方に要素を配置して、距離に注意を引いたりする。また、奥行きのないオフスクリーンも最も重要なスペースである。 
動画のリンクが見つけられませんでした。 
How to Speak Movie Part 2: Mise en Scènesetting setting 屋内の実際の場所かグリーンスクリンで合成 set dressing スタジオのバックロットがどのようんあもの出会ったかを示す事ができる。 props ものの選択は彼らの精神的なつながりとイデオロギーを強調できます。 costume 服装でキャラの性格や立場などを伝える事ができる lighting 中でも、three point lightingはクローズアップに最適。high key lightingは明るい雰囲気、Low key lightingは暗い雰囲気を出せる。chiaroscuroは独特な曖昧さや憂鬱な映画に使われる。hard lightingは明るく厳しいキーライト。soft lightingはロマンチック風。ambient lightingは単純に形を作る。unmotivated lightingは夜をテラあす光のよう。 color 当時、高額なものだった。Black and white 白黒、tinting、sepia toneはモノクローム時代にフィルムに色付けした一般的な色。color grading は各シーンを独特の外観にする。saturation彩度が高いシーンは明るく、刺激的。低いシーンは色あせて、荒涼とした感じになる。color paletteは注意を引く。 spaceこれを活用すると、シーンをいっそうユニークにする。balanceはフレームに重みを与える。対称性を強くする。deep spaceは距離を活用する。shallow spaceは被写体と背景のオブジェクトの近さを強調する。offscreen spaceはフレームの外で何かに弔意を引く事ができる。brokingはシンプルで強力なジェスチャーが世界観に引き込ませる事。mise en sceneはフレーム内に何かを作成し、ショットをユニークにするもの。 
サイトが404NotFoundと表示され、アクセスできません。また、前回の授業資料に掲載されているか確認したものの、サードプレイスしか表記されていませんでした。YouTubeで開こうとしましたが、同じく開くことができませんでした。 
私はパート2を見ました。ショットの強みはそのユニークな品質、いわゆるMISE EN SCENEです。これはフランス語です。映画の全体的な外観を説明する用語です。最初はモダン的であったが30年かけて完成しました。キャラクターの服の色などでも立場を示しています。最も一般的な照明設定は3点照明です。ライトで与える印象も大きく変わります。セピア色はモノクロ時代にフィルムに色合いをつける一般的な色でした。苦労に使われたりしました。しかし、どのシーンで使うかによって違う味が出ます。  フレーム内のスペースの使用も重要になってくる。左右対象にしたり黄金比にしたり様々であります。非対称の丸い線形拡張、窮屈さ、単純さなどを作り出せます。 
上記に記載されているURLから入ろうと思ったのですが、入ることが出来ず動画を見ることができませんでした。 
10 
How to Speak Movie Part3 シーンをシーケンスショットと呼ばれるもので再生させたり、または通常1分以上の長時間のショットで、多くのアクションを実行する。シーンは単純な対話をカバーすることもあるし、複雑なダイアログをカバーすることもある。イベントのシーケンスは時々それが1分以上も続く。 カットとは基本的にワンショットの終わりの間の移行である。ショットはディゾルブのようにほかにもある。数秒間同じ空間を共有している別の人にトランジションは、2番目のショットが最初のショットをロールオーバーする白である。そしてディゾルブは伝統的に一つのシーンの終わりにマークするために行われ、別の始まり、または場所の変更をマークする。一般的なカットはフェードイン、フェードアウトである。これは一般的な開始方法であり、個々のショットが作成されシーンができる。 方向はアイラインと呼ばれる人物をどこで見るかによって確立される。ショットAで画面を右に見ている人、ショットB で画面を左に見ている人を私たちの脳はその空白を埋め 彼らがそれぞれを見ていると解釈することができる。 映画は劇場を超えているのでかっとすることで一つのシーンから簡単にジャンプすることができる。同時に発生していることを示すアクションライン。時間と空間、そしてメディアとしての意図的な映画のユニークな強みの一つである。連続性を崩すことは不連続編集と呼ばれる。 スローモーションは通常の速度では見逃してしまう小さな動きをみることができ、アクションはスピードアップする速い動きもある。逆再生して不可能を可能にすることもできる。 
11 
1つ目の動画について書きます。まず、セッティングについて注目します。外なのか、室内なのか、実際の場所なのかグリーンバックにして後から映像をつけるのかなどです。次にセットの装飾です。現代を舞台にしているのか、昔なのか、小道具なども場面の裏付けに必要です。また、雨を降らせるなども使えます。次に俳優たちが使う道具についてです。シンプルな紙切れから剣など複雑なものです。また、登場人物がどのような武器を使っているかは彼らの個性をよく表します。また、個性を表すという点で服装も使われます。どのような立場の人か判断できます。次に、光の照らし方です。主要なキーライト、もう一方からのフィルライト、バックライトがあります。3つのポイント以外にもライティングがあり、ハイキーライティングというものもあります。強い光で照らします。一方、ローキーライティングもあり、より暗く照らす方法もあります。明暗を表す方法でイタリア語でキアロスクーロと呼ばれます。また、ハードライティングもあり、怒りや悪い印象を与えます。一方反対にソフトライティングがあり、ロマンティックな印象を与えます。またアンビエントライティング、アンモチベイテッドライティング、モチベイテッドライティングがあります。続いて色の使い方です。まず、白黒ですが光の明暗で表現され、よく歴史の映画に使われます。続いて、ティンティング、ほのかな色合いです。オールドサイレンスに使われます。ティンティングの中でよく使われるのがセピアトーンです。カラーフィルムはビビッドなカラーが使われます。次にカラーグレーディング、サチュレーション、カラーパレットがあります。続いてスペースの使い方です。まずはバランスでどの部分を強調するかなどを表現できます。次にディープスペースで奥行きを表現します。シャロースペースは平坦に表現します。次にオフスクリーンスペースで鏡などを使って撮られます。次にブロッキングで、ダンスシーンやシンプルな動きを撮ります。 
12 
私は、Part2を観ました。 MISE EN SCĒNE:映画の全体的な外観を説明する用語 DECOP:カメラをシーンから削除して、ディレクターが開始する装飾を見てみる SETTING:屋外かどうかに関わらず、ショットの設定を選択してシーンを設定する、屋内の実際の場所のセットまたはグリーンスクリーン上で合成→これは、その場所が選択されるとシーンが発生する場所 最初にオブジェクトを使用し、次にアクターを使用する(アクターが使用していない場合)。 SET DRESSING: スタジオのバックロットがどのようであったかを示すことができる 最初はモダンな設定として完成し、その後30年間それ自体を矯正した より若いまたはオブジェクトはこれらの写真のように性格を示すことができる(この男をキャストに残した行動の説明として役立つことがある、老朽化したセットの水がどのようにシーンにテクスチャを追加できるか) オブジェクトがアクターによって使用されることを意図している場合は、崩壊を示し、呼び出される PROPS: 小道具は、紙のような単純なものから、このような複雑なものまでさまざまである 華やかな剣と彼らはまたこれらの2つの文字のような文字を表示できる 武器の選択は彼らの精神的なつながりとイデオロギーを協調する COSTUME: キャラクターの違いは、どのように陽気な衣装の通知を通して示すこともできる ピアノは白とパステル調だが、嫌いな男は真っ黒な服を着て、このキャラクターについてどれだけ話されているかを考える 彼らがどのように服を着ているか、このキャラクターまたはこれらのすべてのメイクの下でこれ カメラが転がる前からストーリーを語り始めるすべてのもの LIGHTING: もちろんカメラとアクションのまえでも光が来る 映画の照明がどれほど重要であるかを過大評価することは不可能 フレームは写真であり、各写真は跳ね返された光をキャプチャする THREE-POINT LIGHTING: その主題の最も一般的な照明設定の1つは、3点照明である クローズアップに最適である 主な光源として機能するキーライトがある キーライトによって作成されたシャドウを埋めるフィルライトがないライト そして、バックライトを被写体の後ろから照らし、背景はほとんどの照明設定ではこの基本的なトライアドのいくつかのバリエーションを使用している 現在塗りつぶし等の多種の人工照明技術がある 1,000を考慮すると、Fストップと絞りの説明が必要になる 焦点距離は、自分でシーンを照らしている場合のみ 標準の3ポイントスタイルから、高輝度キー照明の明るいライトがある HIGH KEY LIGHTING: 明るい色強いキー強い塗りつぶしは、低いキーの照明と比較して LOW KEY LIGHTING: ライトは暗い気分 人の輪郭を強調するためのバックライト 深い影のあるハイライトは、バロックの絵画のような効果を作成する CHIAROSCURO: ルネサンスは、イタリア語のキアラスクーターという文字通りの意味で呼ばれていた この種の明るいビットと暗いビットの間の明るい暗い高いコントラスト 見た目は、道徳的な曖昧さや憂鬱な映画のフィルムノワールのもの キアロスクーロスタイルで撮影すると、一般的に呼ばれる技術を利用する HARD LIGHTING: ハードライトを作るハードシャドウを作成する明るい厳しいキーライト SOFT LIGHTING: タフな角度のあるシートは、もちろん逆に柔らかな照明 ライトがフィルターを通って拡散し、フィルターが周りを包み込む場所 害を与えずに対象を頭皮で削る それはロマンチックな種類の照明→ほとんどの場合、照明は注目を集めない AMBIENT LIGHTING: 気分を設定し、カメラと被写体に話しかけるだけで、自分自身のためにあなたは光を使用するアンビエント照明でこれを見ることができる UNMOTINATED LIGHTING: それはシーンやモチベーションのない照明にあり、単純に形を作る 夜を照らす光のように、その要素ではないシーン そして死は現実的ではないが、まだ2つの異なる太陽から来ているようである MOTIVATED LIGHTING: その反対を討つことはもちろん、光がこのショット(4:34)のようにシーン自体の要素は、かんとくが創造的になることができる このシーン(4:40)のようなやる気のある照明は、上の女性が彼女の光を明らかにする 光が消えて創造性が失われる主人公 クリエイティブと一緒に照明は、初期の2つの主要なツールで機能する COLOR: 映画の技術が向上するにつれて劇的に変化するだろう使用監督 そしてディレクターは何十年もの間、色の実験を始めることができ、フィルムの色は白黒で、カメラは光を取り込んで記録する(BLACK AND WHITE(B/W)) フィルムの約半分が明るいか暗いかに関係なく、明るさだけですべて歴史映画は、それがある特定の理由だけでなく、これを使用して非常に満足している シンプルだが、カラー処理は高額だった タグは今、クラシックの映画製作者のためもう1つの創造的なオプション TINTING: 各フレームが手であった初期のカラーフィルムのいくつかの例がある 偽のカラーフィルム効果のためにペイントされたが、最も一般的な初期のカラー効果はシーン全体が特定の色で浸されている場所に色を付けると、これは見ることができない 古い沈黙の外、または前衛的な実験的なコーナーのはるか外側 SEPIA TONE: 最も有名な色合いの形式の1つはセピア色。これは最もセピア色である(5:41)。 埃っぽいモノクローム時代のフィルムに色合いを付けるための一般的な色を見て、この有名な映画の色付けセピアでは、苦労に使用される COLOR FILM: ガンジス州のだが、ドロシーがオズに行くと、ファンタジーの世界は明るく鮮やかになる(6:00)。 色合いでは、カラーフィルムを独自の用語としてリストするのは簡単だが、色は映画製作者が制御できるのと同じ方法で制御できる複雑なプロセス COLOR GRADING: 彼らの光と衣装だけではなく、プロダクションデザインがカラーグレーディングと呼ばれるプロセスを通じて色は選択的に調整され、各シーンのグレーディングの独特の外観に黒と白の映画製作者が行ったすべての調整を含むことができるが、彩度を調整する等、色で面白いことをする SATURATION: シーンの色は、彩度の高いシーンは明るく刺激的な感じがする 彩度が低いシーンでは、色褪せて荒涼とした感じになることがあるが、ポストまたはフレームで構成されることは、映画の全体的なカラーパレットを構成する COLOR PALETTE: 画家のパレットはパレットにできるショットの主要な色である スペクトル全体を幅広く取り込むか、選択的に注意を引く 他を支配する単一の色深いエロティックな赤、冷たい無感覚な白、豊かな感情的なブルースは、不自然なグリーンを風格のあるブラウンズレッドとゴールドにデジタル化した それは古代のように感じさせるために、アンティークな赤黒と金を失敗させる 飽和した青とオレンジでモダンな白とスティーリーシアンを感じさせる 暗い夜に未来的な黒と青を感じさせる黄色、赤、緑 明るい新しい日には無限の数の組み合わせがあり、それぞれが状況によって異なる場合があるが、最終的に重要なことである。 SPACE: フレーム内でどのように構成されているかを見てみる。 基本的なタイプのショットは既にカバーしているが、それはシーンをユニークにするフレーム内のスペースの使用 BALACE: ショットをセットアップする方法は数千あるが、簡単にするために、いくつかのクリエイティブを見る前にいくつかの基本的な用語を定義する このショット(8:00)が強調するフレームに重みを与えるバランスがある例 真ん中に子供がいる男性と女性の対称性 このようなワイドショットでも非常に制御されたショットである支点 マスクと全景で男性を対称的にバランスさせる(8:16) 追加された下の放射状パターンを持つ背景の椅子の男 DEEP SPACE: このショット(8:20)のテクスチャは、見られる深宇宙で上演されるバランス感覚を持っている カメラを遠くと近くの両方に要素を配置して、距離に注意を引く 私たちが話しているシーンの前の人々からのそれらの間 シーンのあるウィンドウで、子供が子供に戻る SHALLOW SPACE: シーンは浅いスペースでもステージングできる このシーン(8:37)はフラットにステージングされる 被写体と背景のオブジェクトの近さを強調する、または暗示する OFFSCREEN SPACE: 奥行きがないオフスクリーンの最も重要なスペースの1つもある このショット(8:51)がフレームの外で何かに注意を引く空間 鏡を使ってこの男性が座っている空間を拡大し、このショットは外観と女優のパフォーマンスを使用して、フレームから何か巨大なものを暗示する 俳優のパフォーマンスは、シーンを設定してスペースを作成するのに十分な場合がある フレーム内では、すべての動きと俳優がシーンを作成する BLOCKING: 俳優の動きのダンスのようなフリーフォームに見えるかもしれないが、ブロックする 彼らが実際に踊っているのか、単にシンプルで強力なジェスチャーは、これらすべてのものの中に空間を作り出す 彼らが跪くMISE EN SCĒCEを作るフレームとその空間は対称的で 
13 
404 not Found と両方出ました。 
14 
私は、part3の動画を見ました。 part3ではアクションについて解説します。映画全体は切れ目のないショットだが、それを行うのは現実的ではありません。カットとは基本的にワンショットの終わりの間の移行であり、別の始まりにはまたカットがあります。一般的なカットは、フェードインとフェードアウトという開始方法です。 映画製作者は、連続性編集と呼ばれる手法ですべてが同時に起こっているように見せている。優れた連続性編集は目に見えないもので、実際には、日の出から日没まで撮影しています。 尊重されたカットはワンショットからアクションのマッチ又は、継続的なアクションと呼ばれる別の良いマッチです。動作中、動きがあるショットから別のショットに移動できるのは劇的なことでした。例えばあるショットでキックを開始し、次のショットでつながっていることを示すようなシーンです。 アイラインと呼ばれる技法は、人物がどこを見ているかによって方向が確立されます。ショットAで右を見ている人、ショットBで左を見ている人がいるとしたら、私たちの脳は空白を埋め、彼らがお互いを見ていることを理解します。 シーンを構築する今、映画の劇的な伝統は劇場から生まれました。 列車が列車を追跡する際に、目に見える軸は常に左に向かっていて、カメラは決して線路の反対にはいかないのです。 シーンが発生しマスターショットになると、話をしている人のクローズアップになって、逆アングルになります。見ていてシーンに重要なディテールがある場合、それはメインのアクションから離れて、挿入ショットとして近くに表示されます。 映画は劇場を超えているので、カットすることで一つのシーンから簡単にジャンプできます。 クロスカットとは、同時に発生していることを示すアクションラインで、時間と空間そしてメディアとしての意図的な映画のユニークな強みの一つです。 フィルムの一つのフレームが停止するフリーズフレームの様にオンタイムや遊び心の時間もクリップをスローモーションで操作できます。通常の速度では見逃してしまう小さな動きを見ることができ、アクションをスピードアップする速い動きもあります。コミカルで最後にリバースモーションを逆再生して、不可能を可能にするような夢のフィールドです。 最も古く有名な種類の休憩はジャンプカットです。 逆説的にシンプルで複雑な編集技術は、モンタージュです。リンクされたショットのクイックシリーズであるテーマを通して、または時間を通して、別々のショットを一緒にカットして作成し、主流の映画や実験的な映画でたくさん使われています。行動そのものを示すことなく、時間を示したり行動を提案したりします。 物語自体はいま包括的でも完全でもなく、うまくいけば何が起こっているかを説明する正しい言葉が与えられます。動画像では何が幸せな動きに見えるかがすべてです。 
15 
ショットの強みはユニークな品質である。どのようにステージに映画の外観を設置するか。ディレクターは屋外かどうかに関わらず、ショットの設定を選択してシーンを設定する。屋内の実際の場所のセットはグリーンスクリーン上で合成する。最初にオブジェクトを使用し、次に俳優を使用する。セットドレッシングと呼ばれ、このスタジオのバックロットがどのようであったかを示すことができる。最初はモダンな設定として完成し、その後30年間その設定を矯正した。 小道具は単純なものから複雑なものまでさまざまである。小道具の選択は彼らの役者の精神的なつながりとイデオロギーを強調する。また、衣装の違いで役者の違いを表現する。彼らがどのように服を着ているか、そしてどのようなメイクかといったもとで、ストーリーは語り始められる。もちろん、アクションでも表現される。 映画の照明がどれほど重要であるかを評価することは不可能である。今は多くの種類の人工照明技術がある。照明は映画の技術が向上するにつれて劇的に変化するであろう。 昔はカラー処理は高額であった。セピア色は有名な色合いの形式の一つである。ほこりっぽいモノクローム時代のフィルムに色合いをつけるための一般的な色である。色は映画製作者が制御でき、選択的に調整され、彩度なども調整される。色の違いによってさまざま雰囲気を醸し出すことができる。色の組み合わせは無限にあり、状況に応じて異なる。 また、フレーム内での構成も重要となる。カメラの遠くと近くの両方に人物を配置し、距離間に注目させたり、奥行きを使って強調させたりといったことが挙げられる。 
16 
すみません、動画が見れないです。 
17 
私は、How to Speak Movie Part 3: Editingを観ました。 アクションについての話です。シーンが再生され、再生され、次のような一部の監督が再生されます。シーンをシーケンスショットと呼ばれるもので再生させ、または長時間かかります。通常1分以上の長時間ショットで、多くのアクションを実行します。シーンは単純な対話をカバーすることもありますし、複雑なダイアログをカバーすることもあります。イベントのシーケンスは時々それが1分間続きます。このショットは続きます。それはゲームの僧侶のようなものです。ショットをどれだけ長く持続させることができるかを見る監督の映画全体は90分の切れ目のないショットですが、それを行うのは現実的ではありません。または簡単で、照明後のカメラとアクションは、すべての監督がそうそう言わなければなりません。カットとは基本的にワンショットの終わりの間の移行です。そして別の始まりはシンプルなカットがあり、ショットはディゾルブのように他にもあります。数秒間同じスペースを共有している別の人に、トランジョンは、2番目のショットが最初のショットをロールオーバーする白です。そしてディゾルブは伝統的に1つのシーンの終わりにマークするために行われ、別の始まり、または、 場所の変更をマークします。別の一般的なカットは、フェードインとフェードアウトです。これは、黒い画面を行き来する映画を終わらせるには、一般的な開始方法です。これで個々のショットが個別に作成され、シーンはできますが、あるショットの開始から別のショットの終了までの間に5分未満続きます。数時間、数週間、問題のある制作には数ヶ月かかることもあります。 
18 
ミザンセン How to Speak Movie Part 2: Mise en Scèneを選択します。前回のビデオでは基本的なカメラのショットについて学びました。ショットの強みはショットを変えることによって独自性を出せるという点です。Mise en Scèneとはフランス語で映画の全体的な外観を説明するという用語です。どのようにしてステージに配置するか、カメラをシーンから削除して、ディレクターが開始する装飾をみてみましょう。屋内・屋外に関わらず、ショットの設定を選択してシーンを設定する。屋内のセットだけでなくグリーンバックを使うことによってより多くの場所を表現することもできます。最初にオブジェクトを使用し、次にアクターを使用します。アクターがいない場合セットドレッシングと呼ばれるものでスタジオのバックロットがどのようであったかを示すことができます。最初は現代的な設定として完成し、その後30年はその矯正を行いました。オブジェクトはこれらの写真のように性格を示すことができます。この男をキャストに残した行動の説明として役立つことがあります。この老朽化したセットがどのようにシーンにテクスチャーを加えることができるのか、オブジェクトがアクターによって使用されることを意図している場合は崩壊を示し、呼び出されます。小道具は紙のように単純なものから、このような複雑なものまで様々です。華やかな剣と彼らはまたこれらの2つの文字のような文字を表示できます。武器の選択は彼らの精神的なつながりとイデオロギーを強調します。キャラクターの違いは、衣装の雰囲気によって示すこともできます。ピアノは白かパステル調でしたがそれが嫌いな男は真っ黒な服を着て、このキャラクターについてどれだけ話されているかを考えてください。彼らがどのように服を着ているのか、このキャラクターまたはこれらのすべてのメイクの下でカメラが転がる前からストーリーを語り始めるすべての物です。もちろんカメラとアクションの前でも光が来る。映画の証明がどれほど重要であるかを過大評価することは不可能です。フレームは写真であり、各写真は跳ね返された光をキャプチャします。その主題の最も一般的な照明設定の一つは3点照明です。クローズアップに最適です。主な光源として機能するキーライトがあります。キーライトによって作成された影を補うフィルライトライトそしてバックライトが被写体を後ろから照らします。背景のほとんどの証明設定では、この基本的な配置といくつかのバリエーションを使用しています。塗りつぶし等、昨今は多くの人工照明技術があります。それらを考慮するとFストップと絞りの説明が必要になります。焦点距離は自分でシーンを照らしている場合のみです。あなたは映画ファンなら、プロセスを別にするよりも結果を読む方がはるかに簡単です。標準の3点方式から高輝度キー照明の明るいライトがあります。明るい色の強いキー、強い塗りつぶしは低いキーの照明と比較してライトは暗い雰囲気になります。人の輪郭を強調するためのバックライト深い影のあるハイライトは、バロックの絵画のような効果を発揮します。ルネサンスはイタリア語のキアラスクルーターという文字通りの意味で呼ばれていました。この方法は明るいビットと暗いビットの間の明暗のコントラストを多用することによって道徳的な曖昧さや、憂鬱な雰囲気を醸し出すことができます。キアロスクーター方式で撮影すると一般的な技術を必要とします。ハードライトが作る濃い影によって表現される明るく厳しいキーライト。タフな角度のあるシーンはもちろん、逆に柔らかな照明です。 
19 
特撮で行う場合もある 小道具は単純なものから複雑なものまで様々あるキャラクターの衣装の違いで性格をうまく表現する。映画においては照明がとても大事。三点で行う。特撮で行う場合もある。現在では多くの人工照明技術がある。極端なクローズアップを利用することともある。 
20 
ストーリーを伝えるためにスムースカメラを再生しますが、これらはパンとバターショットの基本的な用語にすぎません。ショットの真の強さは、その独特の品質がもたらすものですいわゆるmise en sinはフランス語の用語です演劇で歌う幅広い 全体的なルックアップフィルムを説明する用語です。どのようにステージに配置して、カメラをシーンから取り外し、アドベンチャースタートの装飾を見てみる。 
21 
How to Speak Movie Part 3: Editingの方を見ました。 パート3の方では特に照明技法が興味深いなと感じました。 普段なんとなく見ている映画がなぜこのシーンでは暗いのか、明るいのかの説明がはっきりとわかりました。特に1人や二人だけの深刻な話をするシーンだと暗くなる技法が使われていることがわかりました。 また、逆にミュージカルやダンスなど全体的に映るシーンでは曲調やセリフも明るく照明技法も明るくなっているのが面白いなと感じました。 
22 
わたしは上の動画を見ました。この動画には、映画の制作する上での必要なことと、ライトの使い方や種類について説明されていました。映画を作る上で、costumeや、propsが大切だということはもちろんですが、lightの技法や、種類はここまで奥深いのかと感動しました。一番面白いと思ったのは、3points lightningです。3つのライトの種類を組み合わせて、よりかっこよく、印象に残るようにライトを照らしていることは、素晴らしいと思いました。 
23 
私はHow to speak movie part3をまとめる。この動画は映画の視覚言語でいくつかの基本的な単語を学ぶものだ。シーケンスショットは1分以上のショットであり、その中で多くのアクションを実行していく。そのため時間がかかる。単純な対話をカバーしたり、複雑なダイアログをカバーすることもある。イベントのシーケンスショットは1分間続く。 カットは基本的にワンショットの終わりの間の移行である。別の始まりはシンプルなカットである。 ディゾブルは1つのシーンの終わりをマークするために行われ、別の始まりはまた場所の変更をマークする。別の一般的なカットはフェードインとフェードアウトである。 映画が終わる時にはここのショットが個別に作成され、次のショットまで5分ほど続く。そのためとても時間がかかる。これらは連続性編集と呼ばれる手法で、すべてが同時に起こっている。優れた連続性編集は目には見えないものである。 スクリーンディレクションはショット間で一貫した移動方向を持つ。 マッチオンアクションは動きのあるショットから別のショットに移動できるようにする。 方向はアイラインと呼ばれる人物をどこで見るかによって確立される。 軸を横切るものとは、俳優のアイラインが固定されていて、シーンがあちこちに飛ぶ。俳優の配置が明確になっている。 マスターショットは全体を写すシーンであり、クローズショットは話している人をクローズアップし、逆の角度に切る。詳細ワイドインサートクローズリバースクローズリバースといったカメラ設定は一般的なショットを作る。 クロスカットは1つのシーンからいきなり飛ぶことである。同時に発生していることを示すアクションラインである。 フリーズフレームはフィルムの1つにフレームが停止するものである。 スローモーションは通常の速度では見逃してしまう小さな動きを見ることができる。その反対にアクションをスピードアップするものもある。 ジャンプカットは2つのものをリンクするものである。 シングルカットでは2つのショットを1つの画面に分割して映し出されるものである。 モンタージュは組み立てまたは設定を意味する単語である。別々のショットを一緒にカットして作成する。また非現実の象徴性を示すことができる。 
24 
セッティングとは室内、屋外またはグリーンスクリーンのある場所などを選択し、オブジェクトなどを設置します。またセットドレッシングといった雨や風を起こす装置なども使用される。役者の武器などに使用される小道具やメイクアップなどを含めたコスチュームはストーリ性を強調するためにとても大事である。照明器具もリアリティーと綺麗な絵をとるために大切になる、メインのライトとなるキーライト、影を作るためのフィルライト、さらに対象を目立たせるためのバックライトの三つの証明が必要となる。メインライトにも明るさを調整するための戦闘シーンを目立たせるためのハイライト、不気味な雰囲気を演出させるロウライト、さらに暗さを出すためにキアロスクロと言う技法も存在する。濃さを演出するハードライティングとは対照的に平らなソフトな演出をする技法はソフトライティングと呼ばれる。ムードを演出させるためのアンビエントライティングやアンモチヴェイトライティング、モチヴェイトライティングも存在する。 色の技法にも多くの種類が存在する、白黒やティント、セピアトーンなどがある。色の明るさには、暖かさや肌寒さを感じることも可能である。 
25 
 今回は(How to Speak Movie Part 2: Mise en Scène)をもとにノートをとってまとめてみたいと思います。なお、ここでは映画を撮影に関するする要素の語句とその説明を簡単に付け加えるものとします。 ①セッティング:どういう場所でやるものなのか? ②小道具:紙切れや棒切れでもこれに該当するが、わかりやすく例えるとスターウォーズのライトセイバーも小道具 ③コスチューム:どういう服を着ているかでも全く違う ④照明:どこからライトを照らすか?。映画は基本的に3点から照らされる(キーライト、フロントライト、バックライト)。 →明るい場面:ライトキーライト。暗い場面:ローキーライト。曖昧な表現:コントラスト。ハード車道の作成:ハードライト。シーンを包み込む:ソフトライト。普通に撮影する:アンビエイト ⑤色も映画を構成する上で重要な要素。白黒:カメラが光を取り込んで表現する。色付きは彩度を調整することで表現に幅を持たせることができる。 ⑥シチュエーション:どういうシーンかで使う色を変更したりセッティングを変えたりする。 ⑦カラーパレッド:ベースとなる色に新たにフィルターのようなもので色を付け加え、映画に色を出す。例:マトリックスはグリーン。 ⑧スペース:シーンのバランスを良く見せるためのもの。例えばバランスを取るために、左右対照にすることやマスクと前景で男性を対照的にバランスさせる手法などがある。 →この他にもディープスペース(カメラの近くと遠くの両方に要素を配置する)やシャロースペース(近さを強調する)、オフスクリーンといったフレームのそとに注意を引く瞬間などの要素がある。  このようにこれらのシンプルで強力なジェスチャーはすべてのものの中に空間を作り出す。フレーム内における何かを作成してショットをユニークにするのである。 
26 
船の上で楽しそうに踊っている。男性が黒電話で電話をしている。青と赤の光っている剣で戦っている。女性がはしごに登って撮影をされている。Key l LightとFill LightとBacklightで撮影をしている?High key lightingは強い時に使用している。LOW KEY LIGHTINGは暗い映像の時に使用している。HARD LIGHTING、SOFT LIGHTINGもある。おじさんが川の中に歩いていくシーンは、AMBIENT LIGHTINGを使用している。男性が電気を動かしているシーンは、MOTIVATED LIGHTINGを使用している。colorの映像とblack and whiteの映像では迫力や伝え方、伝わり方が異なる。TINTINGで見せ方が変わってくる。見ている方も伝わり方が異なる。SEPIA TONEとCOLOR FILMでは全く違う世界が表現できる。カラーになった途端世界が明るくみえる。BLANCE、DEEP SPACE、SHALLOW SPACE、OFFSCREEN SPACEも大切である。これらが映画の話し方なのでは? 
27 
 How to Speak Movie Part 2: Mise en Scèneを読んで MISE EN SCENEとは、映画の全体的な外観を説明する用語である。ディレクターは、屋外かどうかにかかわらず、ショットの設定を選択してシーンを設定する。セッティングとは、屋内の実際の場所のセット、またはグリーンスクリーン上で合成することをいう。最初に、オブジェクトを使用し、のちに俳優を使用する。PROPSとは、小道具をさす。紙のような単純なものから、本物のような剣といったさまざまなものがある。COSTUMEとは、キャラクターが着ている服を指す。この服装だけで他のキャラクターとどんな違いを出すか、表現できるかが求められる。また、カメラが転がる前からストーリーを語り始めるすべてのものである。次に、LIGHTINGである。これは、映画においてとても重要なものである。主題な照明は三点ある。key light、fill light、back lightの三つである。low key lightingは人の輪郭を強調するためのバックライトである。hard lighting はタフな角度のあるシーンは、この柔らかな照明を使う。soft lightingは、ロマンチックな種類の照明で、あてても注目を指すようなものではない。ambient lighting やmotivated lightingなどもある。次に、COLORである。black and whiteとは、フィルムの色は白黒で、カメラは光を取り込んで記憶する。TINTINGは、シーン全体が特定の色で伊アロ付あsれている。SEPIA TONEは、ほこりっぽいモノクローム時代のフィルムに色合いを付けるための一般的な色である。SATURATIONは、シーンの色は、彩度の高いシーンは明るく刺激的な感じがする。また、彩度が低いシーンでは、色あせた感じになる。COLOR PALETTEは、他を支配する単一の色深いエロティックな赤冷たい無感覚な白である。緩和した青とオレンジでモダンな白とスティーリーシアンを感じさせる。 
28 
私はミザンセンの動画を視聴しました。この動画では、映画を作り出すまでの流れや重要なポイントを説明していました。最初は、ディレクターが様々な過程を設定することから始まります。具体的には、どのような背景でシーンを撮影(合成の場合はグリーンスクリーン使用)するか、キャスト(俳優)、小道具、衣装などを設定します。次に、照明についてです。映画を撮影する時にとても重要な存在となるのが照明です。その照明で最も一般的な設定は、3点照明という方法です。この照明を使い分けることで、シーンごとの雰囲気を作ることが可能になります。次に、色についてです。昔は、映画に色をつけることはとても高額で、白黒が多かったのですが、彩度をつけることでより世界観を作り出すことができます。ですから、彩度を高くしたり低くしたりすることでリアルな雰囲気を作り出していました。このように、様々な技術を活用することで、空間を作り出し、1つの映画として作成されています。 
29 
「How to Speak Movie Part 2: Mise en Scène」ノート ・「setting」→シーンに合わせた空間づくり、ロケーションの決定。ふさわしいのは屋内が屋内もしくは合成を行うかなど選択肢がある。 ・「set dressing」→「setting」で設定した空間に見合うオブジェクトの配置を行う。またアクターの動き合わせた舞台装置的配置を行う。 ・「props」→映画内での小道具。手紙から武器まで、身に着けるものや手に取るアイテムにキャラクター性やイデオロギーがにじみ出る。 ・「costume」→身にまとう服装から時代背景を読み取ったり、色でキャラクターの性格を表現する。 ・「lighting」→照明。どれだけ映画においては本当に大切。そのなかでも3種類の基本的なライトを分けることができる。〈キーライト〉→主に光源として働くライト〈フィルライト〉影を埋めるライト〈バックライト〉被写体を後ろから照らすライトである。またここに多くの照明に関わるテクノロジーが交差し、ライトのキーの高低差で映像から感じるイメージ変化したり。 ・「chiaroscuro」→照明の話の続き、コントラストを操り、映像の印象を変化させる「ハード」「ソフト」など濃淡のバランスを証明により編集することで、ロマンティックやシリアスなど映画の雰囲気に合わせた映像に近づく。現在僕たちがスマホアプリで写真の編集をするとき使うフィルターのようだ。 ・「motivated light」→画面内の明かりをオンオフや揺らぎ方でキャラクターの気持ちやストーリー展開を表象する。 ・「black and white」→はじめは黒白、つまりはそこが明るいか暗いかだけの表現であったが、フィルムの上から彩色されたり、白黒ではなく他の色がベースとなる表現「tinting」が可能になった。またその中のセピア色をわざとカラー映像の中に残してカラーで描かれる世界のおぜん立てや強調に使用される。 ・「color film」→カラーで表現できるようになったので、彩度の調整やフィルターの色など場面に合わせた表現をする方法が増えた。また画面内のある色に注目させることでその色が伝えるイメージを視る者に伝えることができる(エロティック、無感覚、豊かさ、風格)など。また画面内を特定の色の組み合わせのオブジェクトや衣装、フィルターを置くことで、そのキャラクターや世界観の時代性や再現度など説得力があがる。 「deep space」→奥行きを感じさせる、画面からの近いところから遠いところまでさまざまに人やオブジェクトが配置。「shallow space」は逆に背景と人物の間に距離がなく浅い位置関係。 また画面内の構図だけでなく「offscreen space」のように画面内に何か驚きがあるように演技するショットで登場人物の目線の先ある、まだ画面には見えていない存在を感じさせたり、「blocking」であえて画面の要素を人物で覆うような空間の操り方も存在する。 映像はただカメラを向け撮影しているものではなく、舞台設定やそれに基づく空間の設計や人物、オブジェクトの配置やそのバランス感覚、構図。それを照らす照明の技術、フィルムの色彩の調整などを組み合わせメッセージを作成していることが分かった。 
30 
映画のパート2の話し方:Mise enScène カイルカルグレンは、フィルム形式のビデオシリーズのパート2で、カメラの前に現れるすべてのものを表すために一般的に使用される用語、Mise enScèneについて説明します。 Kallgrenは、照明、色、制作デザイン、衣装、小道具などのMise enScèneの要素が、各映画のユニークな映画の言語を作成するために映画製作者によってどのように使用されているかを示しています。映画を製作する上で、「どんな色を使うか」は観客に与える影響を変化させる重要な要素。ジャンルによってよく使われる色がありますが、それは各ジャンルに適した影響を与えることができるためとのことです。例えばロマンス映画では、暖色系の赤いトーンの色がよく使われています。ホラー映画では暗い青色で恐怖を演出。このように、いかに照明、色、制作デザイン、衣装、小道具が映画を構成するにあたってどれだけ重要なポジションなのかを解説していました。 
31 
日本語自動翻訳がオフしかなく、日本語字幕で見れませんでした。 
32 
ミゼンセンの動画を視聴しました。以下にこの動画のノートを取っていきます。この動画では映画を生み出すにあたって重要なことや流れ、ポイントについて解説していました。まずディレクターと呼ばれる演出家が設定やパターンを決め、世界観を作っていきます。これにより、キャストはもちろん、小道具や撮影される背景などが定められます。これは映画を作る上で最も重要なことなのではないかと感じました。演出が定められた後は、照明です。この照明の一般的な使い方は三点照明という方法であり、これによって雰囲気を切り替えることが可能となります。この照明も映画作りの上で欠かせない重要なものとなります。最後に用いられるものは色です。白黒とカラーでは、同じ内容であっても与える印象が全く変わります。それほど色が与える影響は大きいということです。この色の彩度を上手く用いることで、より現実へと近いものへと映画を近づけることができました。上記のことから映画を作るにあたって、多くの知識と技術が用いられてことがわかります。先人の知恵と経験、そして現代の技術により今の映画は生まれました。 
33 
切れ目のないショットというのは理想的ではあるけれど、90分や120分といった長時間にわたる映画の中では切れ目のないずっと続くショットは現実的ではない。そこで一つのショットと次のショットの間でいったん切れ目を入れ、区切ることをカットといいます。この際に監督は「カット」と声を出すのです。このカットによるショットの切れ目をスムーズにつなげるためにディゾルブやフェードイン/アウトなどの手法が使われます。ここで不自然に思わせないように一貫した移動の方向性や動作が連続しているように見せる必要があります。また目線も重要で話者の関係性を目だけで表演することができます。そのほかにも非現実的な時間軸を用いて面白さを引き出すこともあります。例えばフィルムのフレームを停止させたりスローモーション/ファストモーションや逆再生などがあります。また同じ画面に複数のフォルムを表示させたりオーバーレイ表示することで同じ時間慈雨の上で起こっていることを同時に表現できます。そしてモノによって何らかの思想や別のモノを表現する手法も多く用いられます。 
34 
映画を作る際には、セットやその衣装、コスチューム、ライティングやカラーなど様々なもので構成されている。モノクロであれば古風なものに見え、カラーが華やかな映画はすごく近代的なものとなる。さらに、映画のシーンに空いている余白にも映画の魂が込められていることも映画の面白さとなっている。 
35 
How to Speak Movie Part2 映画において照明の効果はとても重要である。最も一般的な照明設定のひとつは3点照明だ。 これはクローズアップに適している。主な光源としてキーライト、それによってできる影を埋めるのがフィルライト、そしてバックライトを被写体の後ろから照らす。ほとんどの照明はこの方法といくつかのバリエーションを用いて撮影している。 現代の人口照明技術の例: 高彩度(ハイキー)のライト、低彩度(ローキー)のライト、明暗効果のあるキアロスクーロ、ハードライト、ソフトライト、シーン全体の見た目や明るさを左右する効果を与えるアンビエントライト、モチベ―テッド/アンモチベ―テッドライティング 色: フィルムの色は白黒でカメラは光を取り込んで記録する。カラー処理は高額だった シーン全体が特定の色だと初期のカラー効果では見えない。最も有名な色合いの形式はセピア色。 彩度の高いシーンは明るく刺激的な感じで、彩度の低いシーンは色あせて荒涼とした感じになる。 シーンをユニークにするフレーム内のスペースの使い方もある。フレームに重みを与えるバランスや対照的なバランス、遠近法を使って距離感を出したりする効果 女優・俳優の動きがシーンを作成する。踊ったりシンプルで強力なジェスチャーはすべてのものの中に空間を生み出す。 
36 
編集 How to Speak Movie Part 3: Editing https://youtu.be/NUryfkLSwfM を選択 【編集技法】 シーケンスショット 1分以上の長時間ショット 複雑なダイアログ実行 カット ショットの終わり ディゾルブ ワイプ フェードイン アウト  連続性編集 時間経過 ・継続性エラー 冗談 ・スクリーンダイレクション ショット間の移動が一貫 方向性の確定 ・マッチ オン アクション ショットのつながり ・アイライン 目線による方向性の確定 キャラの関係性提示 ・180度ルール シーンの場所を見失わないように切り替え ・軸の横切り  ・マスターショット ・クロースアップ→リバースショット ・インサートショット ・クロスカット 複数の空間カット 不連続性編集 ・スローモーション ・ファストモーション ・リバースモーション ・ジャンプカット  ・マッチカット  ・スプリットスクリーン 区切り ・オーバーレイ かぶせる ・モンタージュ 行動 時間の提案 非現実性の象徴  動画像は何が幸せに見えるかを知ることが重要 
37 
How to speak Movie Part 3: Editing を視聴しました。 見てる側の視線や意識の誘導のさせ方や、人と話しているシーンで1人しか写っていなくても、俳優の視線で聞き手の位置や誰に向かって喋っているかなどを把握させる技術。 スローモーションは通常の速度では見逃してしまうようなシーンで使われ、ファストモーションはアクションをコミカルに見せることができる。 行動の初めから終わり全て見せるのではなく、カットの組み合わせで意味を表現するモンタージュという技術。 普段私たちが何気なく見ているシーン一つ一つに意味があり、映像の魅せ方にも様々な手段があることが分かった。 
38 
How to Speak Movie Part 2: Mise en Scène  セットドレッシングはすごい。 色でキャラクターの立ち位置を考えさせる。 映画において照明はとても重要。3点照明 最初期のカラー処理は雑魚 他を支配する単一の色 深いエロティックな赤 冷たい無感覚な白 バランスのいい配置がある フレーム内に何かを生成してショットをユニークにする 
39 
・映像に色がついているものとそうでないものは見る人にとって与える印象が異なってくるということ ・カットはそのワンシーンの始まりと終わりを表しているということシーンの始まりと終わりはフェードインとフェイドアウトという技術が用いられておりそれは暗転が用いられることがべただということが分かりました。 ・コンティニューエラーという技術は一見するとイリュージョンのように見えるがそれはカメラワークにより錯覚や遠近法を用いて本当にその事象が起こっているように映像を見る人に対し表現する方法だと説明されていました。 ・スクリーンディレクションは画面スクリーンの中における方向のことで 特に、アクション、特に移動する時左から右へ向かうか、右から左へ向かうかというところに顕著に現れその事象が他の場面に合わせて次々に短い間に映し出されるというものだと説明されていました。 ・アイラインとは登場人物視線がカメラに移されキャラの心情や考えていることを意味しストーリーに対し需要な意味合いを含めていることがあると説明がされており自分も映像作品を見ているときによく目にするシーンだと感じました。 ・180DEGRE RULEは人物がいる空間の横幅の感覚や奥行きなどの空間的認識を見ている人に対して与える方法であるとありました。 ・ESTABLISIHNG SHOTはシーンの舞台であるものをメインにとり見る人にシーンの舞台を把握させる効果がある方法であるとされています。 ・master shot はキャラクターの会話シーンなどで用いられキャラクターを引きで撮りどのキャラクター同士が会話しているのかをすぐにわかるようにする方法だと説明されていました。そこにclose up というキャラクター一人の全体をアップで撮る技術を合わせることで今話している人は誰なのかということがよりわかりやすくなる技術が合わせられることが多いと解説されていました。 またその応用としてSHOT /REVERSE SHOT というclose shot とwide shot を連続で行うことで緊張あるシーンを演出するものもあるとありました。 ・slow motionは一瞬で起きた出来事を遅く再生することで何がおきたのかを分かりやすくする効果があると説明されていた。 このようなワンシーンワンシーンに意味のある撮影方法や編集方法は見る人にとって分かりやすく、また映像作品を面白く感じさせる要素の一つであることが分かりました。これから映画を見る時にこういった要素を意識的に見てみると作り手側の工夫や意図が垣間見え今までの映画の楽しみの他にまた違った面白さを感じることが出来ると思いわくわくすると感じ次の映画鑑賞をする時が楽しみに感じました。 
40 
最近やってテレビでも放送されていたバックトゥザフューチャーもあり知っている映画もあった。年代によってさまざまな技法が使われており各種において良さというものが出ていたと思う。韓流などもそれに伴った映像になっていたと思う。 
41 
ショットの強みは、映画の全体的な外観を説明する『配置•舞台装置』である。これは、どのようにしてステージを作成するかを示す。映画の撮影はまずセッティングを行う。これは屋内外に関わらず撮影法を決める工程で例えば屋内の映像を撮る場合実際の場所のセットかグリーンスクリーン上で合成する方法の選択する。また、セットドレッシング(大道具)やプロップス(小道具)の配置も映画の印象を決定付ける重要な要素である。ちなみに前者はスプリンクラーなど後者は紙や武器などが該当する。キャラクターの違いを演出するためにはそのキャラクターのコスチュームが重要であり、これも配置•舞台装置の一種に該当する。服の着方や色などからそのキャラクターの印象を決定付けるのがコスチュームの最大の役割である。コスチューム以外にも光の当て方によっても印象を変えることができ、いくつか種類がある。三点ライトはクローズアップに最適でキーライト、キーライトの影を埋めるフィルライト、後ろからのバックライトによって構成される。キーライトを明るくすると明るい印象、暗くすると暗い印象を与えることができる。シーンをユニークにするためにはフレール内のスペースの使用も重要である。対称性をあらわすバランス、カメラの近くと遠くに配置して距離をあらわすディープスペース、被写体と背景のオブジェクトの近さを強調•暗示するシャロウスペース、フレームから何か巨大なものを暗示するオフスクリーンプレイス、俳優のジェスチャーであるブロッキングなどが例として挙げられる。フレーム内の映像をユニークにするためにはこれらの方法が不可欠である。 
42 
ショット:映画の全体的な外観を説明する用語 どのようにして配置するのか、屋外がどうかに関わらず、ショットを設定する、屋内の実際の場所、セットまたはグリーン上で合成、その場所が選択されるシーンが発生する場所である。最初に、オブジェクト 次に、アクター セットドレッシング:スタジオのバックロットがどうであったかを示す このオブジェクトがアクターによって意図する場合は、崩壊を示し呼び出される 小道具:紙のようなものから本物そっくりまで、イデオロギーを強調 役者:服装やその色でその人の特徴などが分かる ライト: ・3点照明 クローズアップに最適 キーライト(主な光)によって作り出されたシャドウ(影)を埋めるフィルライトがないライト、そして、バックライトを被写体の後ろから照らす事。 ・高輝度キー照明 強い色 戦い ・低輝度キー照明 暗い気分 キアロスクロールスタイル: ・ハードライト 明るく厳しいライト 感動した時 ・ソフトライト 優しいライト ロマンチックな時 アンビエント照明: 映画にとってそれほど大事ではないシーンの時、逆にやる気がある時 色: ・白黒 クラシック映画 ・テンテン シーン全体が特殊な色で侵されている事 ・カラーフィルム 色で雰囲気が変わる、それぞれのシーンで、戦うシーンでは色鮮やかに、 彩度が低いシーンでは、色あせて荒涼とした感じを出すことが出来る ・カラーパレット 選択した色に注意を引く 風格のあるブラウンズレッドとゴールドにデジタル化しました。それを古代のように感じさせるために、アンティークD飽和赤黒と金を失敗させる。飽和した青とオレンジでモダンな白を感じさせる。 明るいシーンには色々な色がつかわれる スペース: シーンをユニークにするフレーム内のスペースを使用 ・バランス ショットが協調するフレームに重みを与える ・シャロウスペース フラットなステージング ・オフスクリーン フレームの外で何かに注意を引く空間 
43 
ミゼンセンの動画を見ました。 「Setting 」は屋外が動画にかかわらず、ショットの設定を選択してシーンを設定する。その中でもセットドレッシングはそのスタジオのバックロットがどのようであったかを示すことができる。最初はモダンな設定として完成し、その後30年間それ自体を矯正してきました。「Props」は小道具を意味し、紙のような単純なものから、伝説の剣のよつな複雑なものまでさまざまあります。 「Costume」はコスチュームで、キャラクターの違いを、衣装の変化によって示すことができる。「Lighting」照明はとても重要な存在であります。特にthree point lighting はクローズアップに最適です。「Color」モノクロ時代と違いをだし、より刺激的で荒涼としたりするなど表現に厚みが増します。「Space」画角に映るバランスを左右対称にしたり、遠近法をにしたりして、距離間で特徴を示したりします。 
44 
MISE EN SCENE(フランス語) 映画の全体的な外観を説明する用語。 DECOR 屋外かどうかにかかわらず、ショットの設定を選択してシーンを設定する SETTING 屋内の実際の場所のセットまたはグリーンスクリーン上での合成 SET DRESSING スタジオのバックロットがどのようであったかを示す LIGHTING 映画の照明はこの上なく重要 THREE POINT LIGHTING クローズアップに最適。明るさにバリエーションが CHIAROSCURO 明るいビットと暗いビットの間の明るい暗い高いコントラスト 道徳的な曖昧さや憂鬱な映画のフィルムノワールのもの HARD LIGHTING ハードライトを作るハードシャドウを作成する明るく厳しいキーライト SOFT LIGHTING タフな角度のあるシーンに使われる柔らかな照明 UNMOTIVATED LIGHTING 夜を照らす光のように、その要素ではないシーンに使われる BLACK AND WHITE フィルムの色は白黒で、カメラは光を取り込んで記録する TINTING シーン全体あ特定の色で浸されている SEPIA TONE ほこりっぽいモノクロームの時代のフィルムに色合いを付けるための一般的な色 COLOR GRATING 色を選択的に調整し、各シーンのグレーティングの独特の外観に SATURATION 彩度の調整 
45 
武器の選択は、精神的な繋がりとイデオロギーを強調する。映画の照明は、重要である。フレームは写真であり、各写真は跳ね返された光をキャプチャする。3点照明は、クローズアップに最適で、主な光源として機能するキーライトがある。シーンの色は、精度の高いシーンは明るく刺激的な感じがする。精度が低いシーンは、色あせて荒涼とした感じになる。 
46 
映画を製作する上でシーンは必要不可欠です。そのシーンの中でも種類がいくつもあり、それぞれが非常に重要な意味を担っています。シーンとは1分間でたくさんのアクションを映すものです。そしてこのシーンを作り出す手法としてカットがあります。カットの技法は多く、メリットがありデメリットもあります。アイラインは画面で左にあったものを右に映すことができます。これは視聴者の視線が自然と映像にリンクする技法です。これにより、その場にいるような体験をすることができます。特に人の動きに焦点を当てると臨場感をよく味わえます。同時に複数のアクションを発生させたり、止まってズームさせることで楽しめる技法にクロスカットがあります。演者の一瞬の表情を捉えることができるため、この技法は登場人物がどのような気持ちなのか視聴者に細かく伝えることができます。また、ゆっくりな動きを出すことで迫力を持たせることができるスローモーションも映像作品の中では非常に使える技法になります。実際、動画内では車が海に落ちるシーンがありましたが迫力がよく伝わってきました。リバースモーションは逆に動かす技法です。時間の流れに逆らったこのシーンは非常に興味深い映像を作ることができます。近年、バラエティー番組でもよく使われるようになった技法でジャンプカットがあります。これは画面に映されている人物がジャンプをすると場所が切り替わるというものです。一瞬で場所が切り替わることで視聴者は飽きることなく、映像を見続けることができます。他にもフランス映画でよく見受けられる、非現実的なものを映し出すモンタージュや2つの映像を同時に映すシングルカットなどもあります。このように日頃何気なく見ている映像作品は実はストーリーも重要ですが、それに味を持たせるため、特に映画など長い作品では視聴者を飽きさせないため、様々な技法によって作られているのです。 
47 
今回は、2つ目の「編集」の動画を見ました。ノートを取りやすくするため、0.75倍で再生しました。まず、率直な意見としては自動翻訳機能で視聴してもあまり理解できないということです。日本語は主語と述語の関係がはっきりしないと理解することが急に難しくなります。自動翻訳では機械的に翻訳されるので、文章の言わんとしていることを理解しようとしてもなかなか難しいと思ったのが今回の動画を視聴した感想です。例えば、6分12秒の字幕「同じ方向に混沌としているが、完全には理解できないが曲がっている」と出ています。これを前後の文脈から判断しても理解できた人はいるだろうか。唯一理解できたところは「時間の遊び」の技法です。ストップ、スロー、ファスト、リバースと様々な技で、時間を操っているということが分かりました。設問の趣旨とは違ってきているかもしれませんが今回のFormsはこのような形にしたいと思います。 
48 
ミザンセンの方を見て、自動翻訳で出た英語を翻訳してみました。日本語的におかしい部分は多くありますがよろしくお願いします。 映画の全体的な外観を説明する用語です。どのようにステージに配置し、シーンからカメラを取り外して、監督を開始します。室内の屋外かどうかに関係なく、ショットの設定を選択してシーンを設定することから始めましょう。 緑色の画面上でセットまたは合成された実際の場所これは、その場所が選択されるとシーンが発生する場所です。最初にオブジェクトで塗りつぶされ、次に俳優で塗りつぶされます。俳優が使用していないオブジェクトはセットドレッシングと呼ばれ、このスタジオのバックロットが最初にモダンな設定として行われ、次に30年前に自分自身をドレスアップしたように場所を示すことができます。オブジェクトは、これらの写真がどのように機能するかのようにキャラクターを示すことができます この男性をキャストに残したアクションの説明は、この老朽化したセットの水がどのようにシーンにテクスチャを追加することができる場合があります。オブジェクトが俳優によって使用されることを意図している場合の崩壊を示し、それらは小道具と呼ばれ、これらは紙のような単純なものからこの華やかな剣のような複雑なものまでさまざまであり、武器のこれら2つのキャラクターの選択が彼らの精神性をどのように強調するかなどのキャラクターを示すこともできます 接続とイデオロギーの違いキャラクターは、ピアノが白とパステルであった陽気な男がどのように衣装に気づいたかによっても示すことができます。嫌いな男は真っ黒な服を着ていますが、このキャラクターについて、彼らがどのように服を着ているか、またはこのキャラクター、またはこのメイクの下でこのキャラクターについてどれだけ話されているかを考えてください。これらはすべて、前に物語を語り始めるすべてのものです もちろん、カメラとアクションがライトになる前でも、カメラは動きます。それぞれが映画のライトの重要性を誇張することは不可能です。フレームは写真であり、各写真は被写体から跳ね返る光をキャプチャします。最も一般的な照明設定の1つは、クローズアップに最適な3点照明です。主要な光源として機能するキーライトがあり、フィルライトがありません。 キーライトによって作成された影と、背景からそれらを分離する被写体の背面を照らすバックライトほとんどの照明設定では、キーフィルのこの基本的なトライアドのバリエーションであり、今では、Fストップと絞りと焦点距離の説明を必要とする1000のことを考慮した多くの種類の人工照明技術がありますが、それは、自分でシーンを照明している場合に限られます。 「映画ファンなら、標準の3ポイントスタイルを除いて、プロセスよりも結果を読み取るのがはるかに簡単です。高キーの明るい照明があります。明るい色強いキー強い塗りつぶしと比較してください。低いキーの照明では、ライトは暗い気分になります。 それはルネサンスではイタリア名のキアラスクーターと呼ばれ、文字通り明るい暗い高いコントラストを意味します。明るいビットと暗いビットこの種類の外観は、道徳的な曖昧さのフィルムノワールのものであり、キアロスキュロスタイルで撮影された憂鬱なフィルムは、ハードライトと呼ばれる技術を利用します 角度があり、見栄えが悪くなるのはもちろん逆です。ライトがフィルターを通って拡散し、フィルターが周りを包み込むようにする柔らかな照明です。被写体を害することなく被写体をスキャルピングすることはロマンチックな種類の照明ですほとんどの場合、照明はそれ自体に注意を引かず、単に気分を設定し、カメラと被写体に自分で話させます。 シーンまたはモチベーションのない照明にあり、シーンの要素ではなく単にシーンを形作る光夜と死に当たる光が2つの異なる太陽から来ているように見えるのは現実的ではありませんが、その反対を打つように見えるのはもちろん、このショットのように光がシーン自体の要素であるような、やる気のある照明は、このショットのディレクターが意欲を持って創造的になることができるからです。 このシーンのように照明を当てると、上の女性がライトをオンにしてキーキャラクターを明らかにします。照明とクリエイティブは、初期の監督が使用した2つの主要なツールで機能します。これは、フィルムテクノロジーが向上し、監督が何十年もの間色を試してみることができるようになったものです。フィルムごとのデフォルトのカラーは白黒で、カメラは光を取り込み、すべてを記録します。 映画の歴史の約半分の明るさであるか暗いかで明るさによって、映画は非常に満足しています。これは、それが特定の単純さを持っているだけでなく、色処理が多額の値札を持っていたため、今ではクラシックなテイストの映画製作者のためのもう1つの創造的なオプションであるため、各フレームが手で描かれた初期のカラー映画の例がいくつかあります。 偽のカラーフィルムエフェクトですが、最も一般的な初期のカラーエフェクトは、シーン全体が特定の色に浸かっていて、これが表示されない場合の色合いです。ほこりっぽい外観を与えたモノクロ時代のフィルムに色合いを付けるための一般的な色と、この有名なフィルム着色セピアの使用では、カンザス州の大惨事に使用されますが、ドロシーがオズに行くと、ファンタジーの世界は明るく鮮やかな色になり、簡単になります カラーフィルムを独自の用語としてリストするが、カラーは複雑なプロセスであり、映画製作者は光を制御できるのと同じ方法で制御できます。コスチュームやプロダクションデザインだけでなく、カラーグレーディングと呼ばれるプロセスを通じて、フィルムの色が各シーンの特徴的な外観に合わせて選択的に調整されます。グレーディングには、白黒のフィルムメーカーが行ったすべての調整が含まれますが、調整などの色で興味深いことを行うこともできます 彩度シーンの色の強度彩度の高いシーンは、明るく刺激的な感じがします。彩度の低いシーンは色あせて荒廃しているように感じるかもしれませんが、ポストで行ったりフレームで構成したりすると、画家のパレットのようなフィルムの全体的なカラーパレットが構成されます。これらはショット全体の主要なカラーであり、スペクトル全体を広く取ります。 または、他の人を支配する単一の色に注意を引き付けて、深いエロティックな赤、冷たく感じない白、豊かな感情的な青、デジタル化された不自然な緑、風格のあるブラウン赤と金でそれを失敗させるアンティークの飽和赤黒と金で古代の飽和青とオレンジを感じさせる現代の白とスティーリーシアンを感じさせて暗い夜に未来的な黒と青を感じさせる黄色の赤と 明るい新しい日のためのグリーンは無限の数の組み合わせがあり、それぞれはコンテキストによって異なる可能性がありますが、それでも探すことは重要です、そして最後にフレーム内でどのように構成されているかを見てみましょう。最後に、ショットを基本的なタイプのショットでカバーしたショットスペースにしますが、フレーム内のスペースを使用することで、シーンをユニークにしています。 ショットのセットアップには何千もの方法があるため、スペースについて説明しますが、簡単にするために、いくつかの創造的な例を見る前にいくつかの基本的な用語を定義しましょう。フレームへの重みこのショットは、非常に制御されたショットである支点として、子供が真ん中にいる男性と女性の対称性を強調しています。このようなワイルドショットでも、男性とマスクの対称的なバランスが取れており、前景は 下の放射状パターンの背景にある椅子に座っている男性は、このショットに追加されたテクスチャーのために、このショットが見られる深宇宙で上演されたバランス感覚を持っています。要素をカメラの遠くと近くの両方に配置して、子について話しているシーンの前にいる人からそれらの間の距離に注意を向けます 浅い空間で上演されます。このシーンは、被写体と背景オブジェクトの近さを強調して平らに上演されます。最も重要なスペースは、シーンがフレームから何かに注意を向ける画面外のスペースです。このショットは、この男性が座っているスペースを拡大するためにミラーを使用しています。 俳優のパフォーマンスをフレーム化してシーンを設定し、フレーム内にスペースを作成するのに十分な場合があります。すべての動きと俳優がシーンを呼び出すようにします。ブロックは、ダンスのようにフリーフォームに見える場合がありますが、実際にダンスしている場合でも、単純な強力なジェスチャーを行っている場合でも、俳優の動きは大きく振り付けられます。これらすべてが、ひざ温泉を作成するフレーム内にスペースを作成します。 対称的な非対称の丸い線形拡張的な窮屈なビジーまたは一見単純なすべてのショットをユニークにするフレーム内で、フレームなしで何かを作成します。ショットのタイプが単語を示すことができる場合、メゼ温泉は、単語が厳しくまたは柔らかく冗談または荘厳に言われるトーンである可能性がありますが、言語を話すことを学ぶ場合は、 辞書のすべての単語を学習できますが、最後のビデオでそれらを組み合わせる方法がわからない場合でも、編集と単語の方法について話します。見てくれてありがとうございます。 
49 
屋外かどうかにかかわらず、ショットの設定を選択してシーンを設定する。屋内の実際の場所のセットまたはグリーンスクリーン上で合成する。これは、その場所が選択されるとシーンが発生する場所。最初に物体、対象を使用し、次に俳優を使用する。セットドレッシングと呼ばれ、このスタジオのバックロットがどのようであったかを示すことができる。最初はモダンな設定として完成し、その後30年間それ自体を矯正した。老朽化したセットの水がどのようにシーンにテクスチャを追加できるか、物体、対象が俳優によって使用されることを意図している場合は、崩壊を示している。小道具は、紙のような単純なものから、複雑なものまでさまざまである。(スターウォーズの映像から)武器の選択は彼らの精神的なつながりとイデオロギーを強調する。キャラクターの違いは、衣装によっても表現される。陽気な人はピアノを弾き白とパステル調の服を着て、嫌な感じの人は真っ黒い服を着て無口なイメージを持たせる。彼らがどのように服を着ているか、メイクなどでもキャラクターを表し、カメラが転がる前からストーリーを語り始めている。また、映画の照明もどれほど重要であるか。フレームは写真であり、各写真は、跳ね返された光をキャプチャする。その主題の最も一般的な照明設定のひとつは、3点照明である。クローズアップに最適であり、主な光源として機能するキーライトがある。キーライトによって作成されたシャドウを埋めるフィルライトがないライト、そして、バックライトを被写体の後ろから照らす。背景のほとんどの照明設定では、この基本的なトライアドのいくつかのバリエーションを使用している。多くの種類の人口照明技術がある。標準の3ポイントスタイルから、高輝度キー照明の明るいライトがある。人の輪郭を強調するためのバックライト、深い影のあるハイライトは、バロックの絵画のような効果を作成する。ハードシャドウを作成する明るく激しいキーライトは、タフな角度のあるシーンで柔らかな照明である。 
50 
ストーリーとはショットから構成される、真実を伝える基本的な用語にすぎません。mise en sceneとは映画の全体的な外観を説明する用語です。どのようにステージに配置するかはカメラからシーンを削除して、ディレクターが開始する装飾を見ればどのようになっているかわかります。屋外かどうかににかかわらず、ショットの設定を選択してシーンを設定します。屋内の実際の場所のセットまたはグリーンスクリーン上で合成し、リアルにそこにあるかのように見せます。これをするには、まず、最初にオブジェクトを使用し、次に俳優を使用します。これはセットドレッシングと呼ばれ、このスタジオのバッグロットがどのようであったか示すことができます。この方法は、最初はモダンな設定として完成し、その後30年間は合成自体を矯正しました。他にもオブジェクトは写真で性格を示すことができます。そして、俳優をキャストに残した行動の説明として役立つことがあります。小道具は、紙のような単純なものから、複雑なものまで様々あります。複雑な形状の剣もこのようにしてできています。 
51 
How to Speak Movie Part 3: Editingを見て 小道具は手紙のような紙切れから華やかな剣まで精神的なつながりとイデオロギーを強調する。 キャラクターの違いを示すことができるのだ。来ている服の色もストーリーを語る前に始めるものだ。 光はとても重要であり過大評価はできない。 一般的な設定である三点照明はメインになるキーライト、シャドウを埋めるフィルライト、被写体の後ろを照らすバックライトで構成されている。 今では多くの人工照明技術が存在する。またライトの種類によって感情を表現したり、表現したい感情に合わせることもある。 カラー処理はモノクローム時代から存在する。これもまた表現したい感情、背景、時代、物にあわせて色の濃淡寒暖を調整する。 アングルショットにも影響はある。 フレームのどこに被写体を映すか、バランスやアングル、遠近によってスペースを生かす。 
52 
前回のビデオでは、カメラの位置が、ストーリーですがこれらはパンとバターが真実を突く基本的な用語にすぎません。ショットの強みはそのユニークな品質、いわゆる中間子の罪、これはフランス語です。映画の全体的な外観を説明する用語です。どのようにしてステージを配置しますか。カメラをシーンから削除して、ディレクターが開始する装飾を見てみましょう。屋外かどうかにかかわらず、ショットの設定を選択してシーンを設定します。屋内の実際の場所はセットまたはグリーンスクリーン上で合成する。これはその場所が選択されるとシーンが発生する場所です。最初にオブジェクトを使用し、次にアクターを使用します。アクターが使用していない場合は、セットドレッシングと呼ばれ、このスタジオのバックロットがどのようであったか示すことができます。最初はモダンな設定として完成し、その後30年間それ自体を修正していきました。オブジェクトがアクターによって使用されることを意図している場合は、崩壊を示し、呼び出されます。小道具は紙のような単純なものから、複雑なものまでさまざまです。キャラクターの違いは武器や、どのような衣装を着ているかで示します。例えば、白のパステル調な男が嫌いな役は、真っ黒の服を着ているなど、衣装がキャラクターについてどれだけ情報をくれるのか考えてみてください。衣装とはカメラが転がる前からストーリーを語り始めるものです。カメラとアクションの前では光が当たります。映画の照明がどれほど重要であるかを過大評価することは不可能です。写真は跳ね返された光をとらえます。最も一般的な照明設定は3点証明です。クローズアップに最適です。主な光源として機能するキーライトがあります。キーライトによって作成された影を消すフィルライト、そしてバックライトで被写体の後ろから照らす、これが3点証明です。今では多くの種類の照明技術が存在しています。焦点距離は自分でシーンを照らしている場合のみです。映画のファンなら、過程を別にするよりも結果を読むほうがはるかに簡単です。3点証明とは別に、高輝度キーライトがあります。高輝度なキーライトは感情として明るさをイメージさせ、低輝度のキーライトは暗さをイメージさせます。低輝度なキーライトは人の輪郭を強調するためのバックライトに支えられます。深い影のあるハイライトは、バロックの絵画のような効果を作ります。ハードライトは強い影を作成するキーライトです。角度のあるシーンは、柔らかな照明を使います。これがソフトライトで、ライトがフィルターを通り拡散し、フィルターの周りを包むこみます。これはロマンチックな種類の照明であり、ほとんどの場合は照明が目立たない。気分を設定しカメラと被写体に話しかけるだけで自分自身のためにアンビエント照明と使い気分を実現させます。これはシーンにモチベーションがないときに使います。クリエイティブと一緒に照明も進化します。映画の技術が向上するにつれて劇的に変化します。そしてディレクターは色の研究を何十年もしました。白黒では光でそれらを記録し、フィルムの約半分が明るいかくらいかに関係なく、明るさだけですべて記録します。昔はカラー処理が高額でした。テイティングは画面全体の色を変えるものです。もっとも有名な色合いの形式はセピア色です。埃っぽいモノクロフレーム時代に色合いをつける一般的な色です。今では衣装や光だけでなく、色もカラーグレーディングと呼ばれるプロセスを通じて、選択的に調整され、各シーンを独特な外観にします。彩度を調整するなど色で面白いことをすることもできます。これをサチュレーションと呼びます。カラーパレットは注目してほしい色に合わせ、意図的に注意をひくことができる。シーンをユニークにするためにはフレーム内のスペースを上手く使用することです。バランスと呼ばれるフレームに重みを与える効果のあるショット。ディープスペースと呼ばれるカメラに遠くと近くの両方の要素を取り入れ、距離に注意を引くショット。シャロースペースは被写体と背景のオブジェクトの強さを強調します。オフスクリーンスペースは、フレームの外で何かに注意を引く空間です。 
53 
少しコメディ感もあって面白い映像だなって思った。カラーが変わるだけでかなり違うと思った。 
54 
日本語字幕を付けようと何度も試したが、英語字幕しかでなかったため、今回は画面に映っている画像となんとなく分かる英語から感じ取ったことを書く。全く英語が理解できない所は私の思ったように説明する。内容が全く違う場合もあるため、どのように日本語訳を付けるのか教えてもらいたいです。前の課題も日本語訳をつけることが出来ませんでした。 セッティングは、様々な場所で撮られ、CGを使ってあたかもそこにいるように見せることが出来る。コスチュームは、ピアノの色と被らないように色を使ってその時代に合うように決めている。黒の衣装を着た人は、白のスカーフのようなものを巻き、高貴なイメージがある。ライトは、映像の中でとても重要で、見る人の印象を左右させる。赤、青、緑を合わせると、黒になる。特定の人物だけにあてるやり方もある。傘のようなものを使って光を調節したり、光を当てて見せ方を調整する。泣き方も涙を流す強い泣き方か、涙が落ちるか落ちないくらいに弱い泣き方がある。色が付いた所から、白黒になるのは、その状況をより強く印象に残すためではないかと思う。画像全体の色を黄色や水色を暗くしたような色を使うことによって、全体の状況が分かるのではないか。黄色や水色などの色を変えていくと、どの色が一番良いかが分かる。その状況に当てはまっている色というのが必ずあるはずだ。赤色の風船を一番見せたいときは、周りの色を灰色や白などシンプルな色を使い、目立たせる。黄色や水色単体で暗くするのではなく、何色かを合わせて使うこともある。スペースでは、全体を見せたり、一部を見せたりすることで分かりやすくする。 
55 
監督は撮影の場所を屋外か屋内、実際の場所もしくはグリーンバックを用いて作られた架空の場所から選びます。撮影の場所にはモノが置かれるわけでありますが、それが役者に馴染んでいない段階をset dressing といいます。反対に、馴染んでいる状態をpropsといいます。服装や髪などといったCostume を通してキャラクターが描かれることがあります。映画の1コマ1コマにおいて大事なのはLighting です。光源の設定として最も一般的なのはthree-point lightingです。主要な光源であるKey light、Key lightによって生まれた影を照らすFill light、そして遠くから対象の後ろを照らすBack lightという3つの光源から構成されています。High key lighting とは明るい色と光を演出することが出来、Low key lightingが持つ効果とは対照的です。濃い影と強い光源を組み合わせバロック調の効果を生み出すChiaroscupo という光源もあります。Hard lightingという技術は強い光を当てることで濃い影を生み出し、情景を強調することが出来ます。反対にSoft lightingは光がフィルターを通って拡散することによって、光が対象を包み込むような効果を生み出します。Ambient lightingは自然の光源を指し、motivated lighting は映像を構成する要素となる光源を指します。Colorには様々なモノがありますが、もっとも一般的かつ古いモノはTintingです。これは全体的に特定の色を映像にかける技術であります。もっとも有名なTintingの形態はSepiaToneです。映像を埃がかったように見せることが出来ます。Colorfilmは映像を鮮やかなモノにしてくれます。ほかにはColorgrading,Saturation,Colorpaletteがあります。映像を構成するフレームの技術には様々なモノがあります。Balanceは2つの対象の対称を取る技法です。Deepspaceは遠近の差を強調した技術になります。Sharrowspaceは対象と背景の距離の近さを強調する撮影方法です。Offscreenspaceはフレーム外の領域を注目させることを目的とした技法です。ほかにはBlockingという技法もあります。 
56 
この動画では様々な場面が出てきました。ステージ上や、乗馬している様子や、建物を建てている様子や、会社の場面、パーティーの場面などです。中には戦っているシーンもありました。場面によってアップでとられていたり全体的に撮られていたり、魅せ方の工夫でどういった雰囲気なのかつかむことができました。男性が川を渡るシーンでは思ったより川が浅くて驚きました。画面全体の色が変わるだけで印象が変わることがわかりました。白黒では質素な印象になります。色の与える印象は素晴らしいと思いました。フレームのスペースを使うことも大切だということがわかりました。距離感や、全体のバランスを考えて、関係性や状況を伝えています。 
57 
How to Speak Movie Part 3: Editingを見ました。 視覚言語におけるいくつかの単語。 ・シークエンス →ショット、カットからなるシーンのまとまり。大きなまとまり。 ・カット →ワンショットの間の移行。移り変わること。 ・ディゾルブ →ショットの移行における手法。ロールが出てきて紙芝居のように移り変わる。 ・フェードイン/アウト →ショットの移行における手法。だんだん消える(アウト)だんだん現れる(イン)。 ◎連続的な編集 ・画面の方向の重要さ。 →カメラが撮る対象物の方向により、移動を表す。 ・自然な移行。 →アイライン(目線)を意識する。関係性、ショットのつながりを作る。カメラを駆使したギミック。役目線の撮り方。平面的な見やすさ。 ・遠近、角度。 →対話のシーン。機微のある演技。 ◎非連続的な編集 ・フリーズ →時間を止める。フレームを変えてもいい。 ・スローモーション →重厚感のある表情。アジカン「猿の惑星」、「マーチングバンド」で使われている。 ・ファストモーション →コミカル。ヴァンパイア・ウィークエンド「A-pank」 ・リバースモーション →不思議。サカナクション「さよならはエモーション」で使われてる。アジカンの「それでは、また明日」でも。 *ギミック ・ジャンプカット →ロケで移動するときに使うやつ。 ・マッチカット →2つの物、人の動きがマッチ。 ・スプリットスクリーン →2画面で、同じ時間を描く。 ・オーバーレイ →グラデーションで変わる。ビフォーアフター。 ・モンタージュ →画面の切り替え。関係性を表す。サカナクション「蓮の花」の最後のデスク上の蜘蛛と一郎さんが見つめ合うシーン。 効果を考えて意図を持って使おう。 
58 
この動画ではそれぞれのショットごとにどのような役割があるかを説明している。編集によって移り変わりするショットの説明。動きにフォーカスを当てると、例えばファストモーションは、アクションをよりスピードアップさせる効果がある。逆にスローモーションは通常の速度では見逃してしまう小さな動きを見ることができる。リバースモーションは、動きを逆にして不可能を可能にする動きを出すことができる。ジャンプカットは最も有名な種類の休憩である。ショットをカットして、瞬間移動されることができる手法である。 
59 
Decor(装飾)...時代背景の表現 Setting(設定)...外にいるのか、内にいるのか。 Set Dressing(舞台の設定)...出演者の演技を引き立たせる。 Props(小道具)...特別な動きや、小さな動きを可能にする。 Costume(衣装)...役者の役を明確にする。 Lighting(照明)...状況によって、Key light、Backlight、FillLightを使い分ける。役者を引き立たせるために、多くの種類のlightが存在する。 High Key Lighting...戦闘シーンなどはらはらするシーンで使う。 Low Key Lighting...画面を暗くすることによって、会話や行動にマイナスなイメージを持たせる。 Chiaroscuro...コントラストを表現することによって、映像に芸術性を持たせる。 Hard lighting or softlighting ...役者の感情表現を助ける。 Ambient Lighting...周囲の環境を伝える。 Unmotivated lighting or Motivated lighting... 出演者のやる気を示すもの(演技自体のやる気ではなく、演技の中でのやる気) Color or Black and white...色付け or 白黒か Tinting or Sepia tone...実際の色とは異なる色を使って映像に味を出す。 Color Film , color grading , saturation or color palette...その映画の趣旨によって映像の雰囲気を変えるための技術。色替え。 Space, Balance, Deep space. Shallow space ,offscreen space or Blocking...カメラの写りを良くするため、ベストポジションでの撮影を可能にする角度などを実現する。 
60 
Lot of action, Short cut, Wipe fade in fade cut, Continuity error , babe train is take form let ,but front of the train is in right /match on acction 
61 
Decor装飾setting 設定は登場人物や物語がどのようなものか示します。props 小道具は登場人物には必要です。costume 衣装は登場人物の特徴をあらわします。メイクアップもその一環であります。lighting 照明はバランスを取る役割であります。主に3方向からのライティングがあり、他にも様々な種類のライティングがあります。highkeylighting の明るい照明とlowkeylighting の暗い照明があります。前者は戦いなど注目させられる気がします。後者は雰囲気を出します。hard lighting のコントラストの強いものとsoft lighting の柔らかいものがあります。ロマンチックを感じさせます。motivated lighting は注目させるところにライトを当て印象付けます。coler では色ありと白黒では印象が大きく違います。白黒では衝撃的なシーンや恐怖を感じました。物語だけではなく、様々な技法を使い効果的に視聴者に印象を与えていることがわかりました。 
62 
How to Speak Movie Part 2: Mise en Scène 今回はパンとバターが真実を打つ基本的な映画の全体を説明するフランス語です。最初にオブジェクトを使用し、その後にアクターを使用します。これはセットドレッシングと言われます。最初はモダンな設定として作られたが、30年かけて変わっていった。なぜこのキャストを選んだかの説明にもなります。そのシーンをよりよくするためにはどうするかなど、を表現します。オブジェクトは様々なものがあります。キャラクターによって衣装を変えるのもそのひとつです。 映画の照明はどれほど大事かは説明するまでもありません。一般的なのはkeylight,filllight.backlightの3点照明です。照明によってコンテラストを生み出します。ほとんどの場合照明は気にしませんが、ロマンチックなシーンでは照明が重要です。フィルムにカラーを入れると見辛くなりますが、セピア色は色合いとして有名です。埃っぽいフィルムに色をつけるときによく使用します。彩度などを調整することによってシーンによって色で様々な表現ができます。 シーンをユニークにするフレーム内の使い方もあります。バランスを取ったり強調するために調整します。またフレームの外で怒っていることを移さずに表現させるともできます。 
63 
装飾は登場人物を際立たせる。設定を固めることで物語の理解を深めることができる。照明は主に産方向から当たり、他にも様々な角度からも当てられる。その場面場面を際立たせる。明るい照明とやわらかい照明では、役割が異なり、明るい照明は戦いなどに用いられ、やわらかい照明では、ロマンチックな雰囲気を生む。色では、現実にはない白黒で描かれることによって、恐怖感を表す。よって、様々な方法により、視聴者側に印象を与える。 
64 
「How to Speak Movie Part 2: Mise en Scène」を見ました。舞台の準備、小道具、3か所の照明、高い場所の照明、低い場所の照明、明暗の配合、強い照明、弱い照明、やる気がない照明、やる気を与える照明、白黒、色合い、セピア調、カラーフィルム、カラーコレクション、浸透、カラーパレット、バランス、宇宙空間、浅い空間、オフィスクリーンスペース、木や石の塊、舞台装置 
65 
フランス語であるミザンセンは映画の外観を説明する用語であり、どのようなステージを作るか、いわゆる「演出」に当てはまる語である。映画を鑑賞する時にが既に完成形が出来ているが、撮影する方法は様々である。世界感を制限するための装飾やセットを組むこともあれば、グリーンスクリーンを用いた演者との合成などの方法がある。また、小道具やコスチュームなどからもキャラクターを表現している。また、映画制作において最も大事なのが照明である。スリーポイントライティングという手法を用いることで被写体が映えるように工夫されている。また、照明の使い方次第でシチュエーションを視聴者に伝える要素もある。カメラの発展と同時に照明の使い方というのも変わってきている。また、カメラの彩度を調整することで、照明と同じような役割を担うことが出来る。フレーム内における被写体のバランスも重要である。 
66 
映画の基本的な単語 シーケンスショット 一分以上の長時間のショットでシーンを再生 カット ワンショットの終わり、次のショットへの移行 トランジション 二番目のショットが前のショットをロールオーバー ディゾルブ シーンの終わりを印し、別のシーンの始まりを印す フェードイン・フェードアウト シーンの開始、黒い画面で終わらせる 連続性編集(コンティニューエディット) シーンの切り替えの撮影時に起こる齟齬を視聴者に感じさせない編集 コンティニューエラー シーンの切り替わりの前後で起きる失敗 スクリーンディレクション 画面の左右に前後を持たせる(マリオは常に右に進む感じ) マッチオンアクション 前後のショットで登場人物の行動が連続して見えるように示す。 アイライン 登場人物の位置と視線でショットを分けて関係性を伝える 180度のルール 一つの物事をとらえているとき、ショットを跨いでも反対側から移さない(90度のショットと反対側の90度のショットは存在) Crossing the axis  スクリーンディレクションを用いず、位置関係をアイラインなどで示す。混沌感が出る マスターショット 最初に全体を捉えて、事物の位置関係を示す クローズアップ 特定の人物を集中して映す リバースアングル クローズアップと対面している事物を示す インサイドショット 事物の詳細を示す。 ショット・リバースショット 他の人物を映しながら特定の人物を中心に映す。 クロスカット 別の場所で起きている物事を連続で流し、同時に別の場所で起こっていることを見せる 不連続性編集 連続性のない編集 フリーズフレーム 1つのフレームが停止する スローモーション ゆっくり見せることで通常速度では見逃してしまう動きを見せる ファストモーション 早く再生する リバースモーション 逆再生。不可能を可能にするトリックになる ジャンプカット 意図的なコンティニューエラー。ものが消えたり突然現れたりするトリック マッチカット シーンを跨いで別のモノを同じ意味を含ませ連続で映す スプリットスクリーン 画面を分割して同時に複数の事象を映す オバーレイ 一つの映像にもう一つの映像を半透明にして重ねる モンタージュ カットを繋ぎ合わせ連続した現実であるように見せる 
67 
「How to Speak Movie Part3 : Editingをみた。視覚言語である映画はライトとカメラでアクションの準備ができる。カットはフェードインとフェードアウトするのが一般的に使われている。個々のカットを継続編集と呼ばれる手法で編集する。日の出から日没までのシーンは、実際に撮影が行われているのは劇中の数分ということもある。こうした編集は目に見えないようにする。でないとみているひとから気づかれてしまうことがある。他にはカットの違いもある。画面は動かない。あるショットでは右の画面を見ていて、もう一つのショットではもう一人が左の画面を見ている。私たち人間はその映像をみて、脳はそのショットの空白を埋めてそれぞれ見ているということに気づく。そのようにして実際に撮ることが難しいシーンでも錯覚やあとは編集で違和感がないようにできる。 
68 
YouTubeの翻訳設定のやり方がなかなか分からず、インターネットを利用して調べて実行してみましたが翻訳することが出来なかったため全て英語版を見ました。そのため映像を確認して鑑賞しました。映像から感じたことは、この動画は映画における様々な撮影方法を紹介しているのではと思いました。早く見せるところや遅くするところ、引きで撮ったりすることで見る相手に与える印象を変えているのだと思いました。 
69 
映画の背景において、屋内の実際の場所のセットはグリーンスクリーン上で合成してます。グリーンスクリーンは、最初にオブジェクトを使いし、次に俳優を使います。これは、セットドレッシングと呼ばれ、このスタジオのバックロットがどのようであったかを示すことができます。またシーンには、様々な意図を持った物体や雨がたくさん降るようなシーンがあります。小道具には紙から剣まで様々なものがあります。キャラクターは明るい雰囲気の衣装によって表現することもできます。また、照明もとても重要なもので、多くの人工照明技術があります。明るさキーのライトは明るく、逆に暗い照明は暗い雰囲気を表します。昔はカラーフィルムは高額だったため、白黒のフィルムを使用するケースもありました。また、最近では色の彩度も細かく調整することもできます。その他にはフレームの奥行きの距離を強調したり、演技でフレーム外のものを暗示したりできます。 
70 
1つ目の方を見ました。自動翻訳の内容がおかしな点が多く、理解に苦しむ点が多く見受けられました。しかしながら、この時代に構築された、ワンショット間の長さや、現在の映像で使われている、様々な技法の数々はこの時代から使われていることを知りました。連続性編集はとても根気のいる撮影で大変さを感じました。クローズアップであったり、ワイドショット、クロスカットなどこうして一つ一つのカットを細分化して見てみるとたくさんの技法がつかわれていることがわかりました。個人的にはモンタージュが面白いも思いました。CGなどが発達していない時代でも表現力で様々なものを見せてくれているのだなと感心しました。 
71 
映画にはさまざまな種類、ジャンルがあり、アマチュアとプロに分けても多くの作品が現在に残されています。今回の解説動画では映画が19世期に登場してから今日まで撮影器具や文明の発展、人々の生活様式の変化に合わせて多種多様に分岐していった様子を見て捉えることができました。とくに2つめの解説動画で興味深かった点を挙げるならば照明器具の発達が作品の雰囲気を大きく発達させていったことが見てわかりました。 
72 
シークケントショットは一回のショットで長いシーンを撮影する手法です。ディゾルブは数秒間他の人が同じ場所を共有する手法です。トランジションは二番目のショットが最初のショットをオーバーオールする手法です。ワイプは一つのシーンの終わりにマークするために行われ、別の始まりまたは場所の変更をマークします。フェードインとフェードアウトは個別に撮影されたシーンの映像を黒い画面を挟んで転換させる手法です。アイラインは右を向いて話す人のシーンから左を向いて話す人のシーンに切り替わることで、みている人がその二人が向かい合って会話をしているように見えるという手法です。フリーズフレームはそのシーンをクローズアップしたり、スローモーションに廃りする事ができます。 
73 
ところどころに背景のほとんどの照明設定は、いくつかを使用しバリエーション埋める。そして、戻る今こそは多く塗りつぶしとして戻って今多くあります。人工証明技術の種類。千もの必要と考えるものを持つFストップと絞りの説明。焦点距離がそれは唯一の場合あなたはシーンを照らしているあなたは映画の行者だ。それははるかに簡単です。プロセスよりも結果を読む。標準の3点スタイルからあります。明るいライトを照らすハイキー、明るい色強いキーより強い塗り潰しと比較する。ライトは暗い気分より落ち着いている時は弱いキー弱い埋める。だがしかし、非常に強いアウトラインを強調するバックライトは強い人の対象的な組み合わせ。深い影を持つハイライトは、バロックの画家効果。ルネッサンスはイタリア人によって呼ばれた名前キアラスクーター。文字通りの意味、間の明るい暗い高コントラスト、明るいビットとくらいビットこの種見た目は、映画ノワールのものです。道徳的あいまいさと憂鬱な映画ショット。一般的にチアロ・スクロスタイルで撮影と呼ばれる技術を利用する。ハード照明明るい過酷なキーライトでハードシャドウを作成し、シーンタフな角度、それはもちろんソフト証明の反対です。フィルタを利用して、それをラップする。それはほとんどの照明のロマンチックな種類です。時間証明は注意を引かない。気分を設定するために単に奉仕するだけ。そしてカメラと被写体が話すようにする、あなた自身のためにこれを見ることができます。それはシーンまたは中にある単に形作るやる気ない照明シーン、その要素にならずに、夜にあたる光がどうなったのか、そして死は二人から来ているようだ。異なる太陽じゃない現実的だがしかしそれでもなおその反対を打つことはもちろんです。光が光である動機づけの照明シーン自体の要素、ショットディレクターはクリエイティブを得ることができます。キャラクターが創造的に消える。クリエイティブと一緒に照明が働くことができます。変更される取締役を使用、フィルム技術向上につき、そして取締役は実験を開始することが出来る。何十年もの間、デフォルトの色でフィルムカラー黒と白でした。カメラは光と記録を取り込む全ての光度だけで、フィルムの約半分は明るいか暗いか。これはある程度の理由だけでなく、シンプルに、しかし色が。処理は高価な価格を持つために使用される。タグはいま、それはちょうど別のクリエイティブで、クラシックを持つ映画製作者のためのオプション。味は初期のいくつかの例があります。各フレームが手であったカラーフィルム。偽のカラーフィルム効果のために塗装が最も一般的な初期の色の効果は、シーン全体が浴びている場所をティンティングする。ある程度、特定の色。古い沈黙や、より実験的なコーナーの前衛。最も有名なティントの1つセピアトーンです。色合いのフィルムに一般的な色、ほこりっぽいモノクロ時代見て、色付けセピア危険のために使用されます。カンザス州のが、ドロシーがオズに行くと、ファンタジーの世界は明るい鮮やかである。色をリストとするのは簡単だろう。独自の用語もしてフィルムが、映画製作者ができる複雑なプロセスコントロール、彼らが制御できるのと同じ方法で制御する彼らの光。そして、単にコスマリングを通してではありません。生産設計がプロセスを通してフィルムのカラーグレーディングと呼ばれる。色は選択的に調整される。各シーンのグレーディングに特徴的な外観、全ての黒を調整を伴うことが出来る。そして、白人の映画製作者はやったが、それはまた色で面白いことをする。彩度を調整するサチュレーション。シーンは、一方で明るく、エキサイティングな感じをだすことができる。 
74 
【ミザンセン】今回の動画はカメラの配置について。ショットの強みはユニークな品質で、映画の全体的な外観のことである。まず、映画はショットの設定を選択して撮影する。場所が選ばれるとシーンが決まり、オブジェクトを使用して俳優も登場する。また、セットドレッシングがあり、小道具で意味を成し、衣装でキャラクターを表す。映画の照明も重要で、スリーポイントライティングはクローズアップに最適だ。最近は人工照明もあり、エフストップと絞りが重要。ローキーライティング、ハードライティンク、ソフトライティング、アンビエントライティング、アンモティヴェテッド・ライティング、モーティベイデッド・ライティングなどの照明技術で様々な演出効果を生み出している。また、ディレクターにとって間色も重要で、ブラック・アンド・ホワイト(白黒)、ティンテング、スピアトーン、セピアトーン、カラーフィルム、カラーグランディング、サチュレーション、カラーパレットがある。そして、スペースという技術もあり、バランス、ディープスペース、シャロースペース、オフシーンスペース、ブロッキングという種類がある。最後にミザンセンはユニークなショットであるという説明。 
75 
ミザンセン セット グリーンスクリーンまたは実際の場所 セットドレッシング 道具などで表現 物質でも表現可能 小道具 キャラの違い 関係性をシンプルなものから複雑なものまで 衣装も小道具と同じ 照明 三点照明 クローズアップに最適 色 セピア色 フィルムに色合いをつける一般的な色 色合いで面白さを表現することも可能 彩度によって状況の変化を表現 バランス 距離に注意をひかせる 被写体とオブジェクトの近さを表現 フレーム内に非対称なものを残し印象付ける 
76 
ショットの強みであるユニークさは『ミザンセン』によるものだ。ミザンセンとはフランス語であり、映画の全体的な外観を説明する用語。 ①デコ(装飾)→どのようにステージを配置し、シーンからカメラを削除し、シーンのセッティングを選ぶか。(1)セッティング…屋外、屋内、実際の場所、セット、グリーンスクリーンで合成など。(2)セットドレッシング…スタジオのバックロットがどのようであったかを示す。(3)プロップス(小道具)…シンプルな紙から華やかな剣まで様々ある。キャラが選択した武器はキャラの精神的なつながりとイデオロギーの違いを強調している。(4)コスチューム(衣装)…キャラの違いは衣装を通して関心を引く。『明るい人』は白色・パステルカラー、『陰気な人』は黒色。 ②ライティング→ストーリーを伝えるために、映画内の照明がどれほど重要か。(1)スリーポイントライティング(3点証明)…クローズアップに最適。(キー・フィル・バック)(2)ハイキーライティング…スリーポイントより明るい。(3)ロウキーライティング…ハイキーと対照的で暗いムード。バックライトで人の輪郭を強調する。(4)キアラスクター…明暗の高コントラスト。(道徳的な曖昧さ、憂鬱さなどを表現)(5)ハードライティング…ハードキーライトで明るく、ハードシャドウを作る。(6)ソフトライティング…タフで角度がある。(柔らかさ、ロマンティックさを表現)(7)アンビエントライティング…ムードを設定し、カメラと被写体に話しかける。(8)アンモチベートライティング…単純に形を作る。(9)モチベートライティング…演出家が創造的に動かす照明。 ③カラー(色)→技術の進化で使い方が広がった(1)白黒…光を取り込んで記録(2)初期のカラー…着色(3)セピア…ex.オズの魔法使い(セピアからカラーへ)(4)カラーフィルム…複雑な工程(5)カラーグレーティング…選択的に調整される。(6)サチュレーション…彩度の調整。高いと明るく刺激的、低いと色あせて荒涼的になる。(7)カラーパレット…映画全体で主要な色。領域全体を幅広く取り込むか、選択的に注意を引く。 ④スペース→シーンをユニークにする(1)バランス…真ん中と左右に対称性。(2)ディープスペース…遠近両方に要素を配置し注意を引く。(3)シャロ―スペース…奥行きがなく平ら。(4)オフスクリーンスペース…フレーム外と演技を利用してフレーム外からの登場を暗示。(5)ブロッキング…俳優の動きとカメラワークが一緒に動く。 これらのフレーム内に何かを作成してショットをユニークにする全てのこれらのものをミザンセンという。 
77 
アイライン 目線によって、話してる相手がいなくても横に話している相手がいるように撮ることができる、私たちの脳が空白を埋めることが出来る。 撮影の軸は、常に180度で固定されており、その軸内で映像を撮ることによって、私たちはスムーズにその場面の状況を認識することが出来る。 一方で、状況認識をさせないため、混沌とした状況を演出するためにあえて軸を切って、撮影するという技法も存在する。 全体のシーンを最初に写すことで、場所を認識させ、そこから登場人物が話をしている場面にうつりかわる、重要な2人の掛け合いは引きで見せて、個人が話しているところはズームする。 クロスカットを使うと、同じ時間軸に違う空間で別の出来事が起こっているといったように観客に認識させることができるし、オーバーレイを使って、登場人物の後ろから別の映像を流すことで過去を振り返ってるように見せることも出来る。 他にも様々な映像技法がある。 ジャンプカットやモンタージュなど 
78 
映画の全体的な外観を決めるとき、どのようにステージを配置するでしょうか。ショットの設定は、屋外、屋内、グリーンスクリーン上で合成など場所が選択されるとシーンが発生します。  セットドレッシングとよばれ、最初にオブジェクトを選択し、次にアクターを使用します。 小道具は紙のような単純なものから剣など複雑なものまであります。 コスチュームは、悪役は黒、良い役は白など以上の色が需要な役割を果たします。 照明で多く使われるのは三点照明であり、これはクローズアップに最適だとされています。他にも高輝度、低輝度キーがあり、低輝度のキーは人の輪郭を映し出すことで、バロックのような絵画の雰囲気を出せます。 キアラスクーターはハード、ソフトライトがあり、ハードライトでは憂鬱な映画のような雰囲気になり、ソフトライトではフィルターが周りを包むことから柔らかい印象になります。 アワビエイトライティング、モチベイトライティングなどもあり、モチベイトライティングでは光が消えて、創造的に主人公が消えたりします。 黒と白の映像は、色の映画が普及されていない時代に主流でした。 初のカラーフィルムはタイティングと呼ばれ、シーン全体が色づきます。一般的にはセピアトーンが使われました。 カラーグレーディングにより、色は選択的に調整され、各シーン独特の外観にあわれられるようになります。 サチエーシャンにより彩度を変え、色あせて荒涼とした雰囲気などを出しました。 カラーパレットでは、色の組み合わせを使い映像の雰囲気をつくりました。 ショットのスペース配分にもいくつかありました。 バランスと呼ばれる方法で、フールムに重みを与えたりできます。 ディープバランスでは、遠くと近くに要素を置くことで距離に注意を引かせることができます。 シャロウスペースでは被写体と背景のオブジェクトの高さを強調できたりします。 オフスクリーンスペースでは、空間を拡大したり、何か巨大なものを想像させることができます。 ブロッキングでは、シンプルでありながら強力なジャスチャーができます。 
79 
Part3を選択します。ショットの長さ、スクリーンの方向、カットをインパクトの強いアクションに応用、アイライン、180度の法則、クロスカットによる時間と空間のコントロール、フリーズフレーム・スローモーション・リバースモーション、非現実的なアクションを可能にするジャンプカット。これらの動画編集に関する動画でした。 ショットの長さは昔はなるべく長い方がいいとすることもあったそうです。現在でもノーカット撮影は評価されることが多いです。ただ、ノーカットであるなら、劇場と変わらないのでやはり編集を活用した方が基本的に望ましい時代になっていると感じます。スクリーンの方向、アイライン、180度の法則は視聴者の想像力があってこその編集技術だと感じます。方向やアイラインを統一することでその場面の登場人物の位置関係を想像できます。180度の法則は派手なアクションをわかりやすく見せるためだと感じます。ただ、現在の撮影技術では360度のカメラワークやCG技術によってアクションをダイナミックに表現しています。アニメでもそのようなアクションシーンが増えてきて、最近のトレンドになりつつあります。そして編集において一番印象的な技術であるクロスカットは映画だからできることだと感じます。クロスカットを用いることで時間のスキップや場所の移動を短縮できます。このクロスカットがあるからこそ、ストーリーの自由度が確立されます。 このように編集の技術は映画において非常に重要だと感じました。現在はYouTubeによる動画コンテンツ全盛の時代です。時間を作って動画コンテンツに関する知識や、動画編集のスキルを身につけたいと感じました。 
80 
ショットの強みはユニークな品質です。映画の全体的な外観を説明する用語です。カメラをシーンから削除してディレクターが開始する装飾を見ていきます。屋外かどうかにかかわらずショットの設定を選択してシーンを設定します。最初にオブジェクトを使用し、次にアクターを使用します。セットドレッシングと呼ばれ、スタジオのバックロットがどのようであったかを示すことができます。小道具は簡単なものから複雑なものまで様々なものを使います。キャラクターは服の色などでもどのような人物か分かり、カメラが転がる前からストーリーを語り始める全てのものです。フレームは写真であり、各写真は跳ね返された光をキャプチャします。一般的な照明設定の1つは3点照明です。クローズアップに最適です。主な光源おして機能するキーライトがあります。キーライトによって作成されたシャドウを埋めるファルライトがないライトそしてバックライトを被写体の後ろから照らします。バックライトは人の輪郭を強調するためでも使われます。気分を設定しカメラお被写体に話しかけるだけで自分自身のためにあなたは光を使用するアンビエント照明でこれを見ることができます。プロダクションデザインがカラーグレーディングと呼ばれるプロセスを通じて色は選択的に調整され、各シーンのグレーディングの独特の外観になります。シーンの色は彩度の高いシーンは明るく刺激的な感じがします。 
81 
劇場において重要な役割をなしているのはなんだと思いますか? それはカメラです。また、カメラ以外にも重要な役割を果たしている人がいます。それは監督です。監督の技術によって様々なシーンが撮られます。その時の天気の状況、屋内、屋外の撮影などにも影響を及ぼします。具体的な方法として現実では撮ることができないシーンもグリーンシートを背景にして行えばCG技術を活用して撮影をすることができる。また、観る側が求めるキャラクター像は時代によって変化してきた。キャラクターたちがきている服装は陽気的であったりなどキャラクターの情報を追加的にだすことができる。また、カメラ以外にも活躍したのはライトである。明るいライトは今の映画技術の画面のきれいさに貢献したのである。 
82 
前回はカメラの配置についてですが、ショットの強みは、そのユニークな品質です。映画の全体的な外観を説明する用語です。どのようにしてステージに配置しますか。カメラをシーンから削除して、ディレクターがおこなうことを見てみましょう。屋外かどうかにかかわらず、ショットの設定を選択してシーンを設定する。屋内の実際の場所のセットまたはグリーンスクリーン上で合成、これはその場所が選択されるとシーンが発生する場所です。最初にオブジェクトを使用し、次にアクターを使用します。(アクターが使用していない場合)。セットドレッシングと呼ばれ、このスタジオのバックロットがどのようであったかを示すことができます。最初はモダンな設定として完成し、その後30年間それ自体を矯正しました。オブジェクトはこれらの写真のように性格を示すことができます。例えば男をキャストに残した行動の説明として役立つことがあります。老朽化したセットの水がどのようにシーンにテクスチャを追加できるか、オブジェクトがアクターによって使用されることを意図している場合は、崩壊を示し、呼び出されます。小道具は、紙のような単純なものから、複雑なものまでさまざまです。武器の選択は彼らの誠意心的なつながりとイデオロギーを強調します。キャラクターの違いは、衣装を通しても示すことができます。ピアノは白とパステル調でしたが、嫌いな男は真っ黒な服を着ています。彼らがどのように服を着ているか、カメラが回る前からストーリーを構成する要素と言えます。映画の照明がどれほど重要であるかは言うまでもありません。フレームは写真であり、各写真は、跳ね返された光をキャプチャします。その主題の最も一般的な照明設定の1つは、3点照明です。クローズアップに最適です。主な光源として機能するキーライトがあります。キーライトによって作成されたシャドウを埋めるフィルライトがないライト、そしてバックライトを被写体の後ろから照らします。ほとんどの照明設定では、この基本的なトライアドのいくつかのバリエーションを使用しています。現在では多くの種類の人工照明技術があります。焦点距離ですが、自分でシーンを照らしている場合のみです。あなたは映画ファンなら、プロセスを別にするよりも結果を読むほうがはるかに簡単です。標準の3ポイントスタイルから、高輝度キー照明の明るいライトがあります。人の輪郭を強調するためのバックライト、深い影のあるハイライトは、バロックの絵画のような効果を作成します。この種の明るいビットと暗いビットの間の明るい暗い高いコントラスト。見た目は、道徳的な曖昧さや憂鬱な映画のフィルムです。ハードライトを作るハードシャドウを作成する明るく厳しいキーライト、タフな角度のあるシーンは、もちろん逆に柔らかな照明です。ライトがフィルターを通って拡散し、フィルターが周りを包み込む。それはロマンチックな種類の照明です。ほとんどの場合、照明は注目を集めません。気分を設定し、カメラと被写体に話しかけるだけで、自分自身のためにあなたは光を使用するアンビエント照明でこれを見ることができます。それはシーンやモチベーションのない照明にあり、単純に形を作ります。照明は、初期の2つの主要なツールで機能します。映画の技術が向上するにつれて劇的に変化するであろう監督、そしてディレクターは何十年もの間色の実験を始めることができ、フィルムの色は白黒で、カメラは光を取り込んで記録します。フィルムの約半分が明るいか暗いかに関係なく、明るさだけがすべて。歴史映画は、それがある特定の理由だけでなく、これを使用して非常に満足しています。シンプルですが、カラー処理は高額でした。今ではクラシックの映画製作者のためのもう一つの創造的なオプションです。各フレームが手であった初期のカラーフィルムのいくつかの例があります。偽のカラーフィルム効果のためにペイントされましたが、最も一般的な初期のカラー効果はシーン全体が特定の色で浸されている場所に色を付けると、見えません。最も有名な色合いの形式の1つはセピア色です。ほこりっぽいモノクローム時代のフィルムに色合いを付けるための一般的な色、有名な映画の色付けセピアでは、苦労に使用されます。色は今では、カラーフィルムを独自の用語としてリストにするのは簡単ですが、色は映画製作者が制御できるのと同じ方法で制御できる複雑なプロセス。彼らの光と衣装だけではなく、プロダクションデザインがカラーグレーディングと呼ばれるプロセスを通じて色は選択的に調整され、各シーンのグレーディングの独特の外観に黒と白の映画製作者が行ったすべての調整を含むことができますが、彩度の調整などをする。シーンの色は、彩度の高いシーンは明るく刺激的な感じがします。彩度が低いシーンでは、色あせて荒涼とした感じになることがありますが、ポストまたはフレームで構成されるこれは、映画の全体的なカラーパレットを構成します。これらはパレットにできるショットの主要な色です。スペクトル全体を幅広く取り込むか、選択的に注意を引く、他を支配する単一の色深いエロティックな赤冷たい無感覚な白、豊かな感情的なブルースは、不自然なグリーンを風格のあるブラウンズレッドとゴールドにデジタル化しました。フレーム内でどのように構成されているかを見てみましょう。基本的なタイプのショットはすでにカバーしていますが、シーンをユニークにするフレーム内のスペースの使用。ショットをセットアップする方法は数千あるが、簡単にするために、いくつかのクリエイティブを見る時に、いくつかの基本的な用語を定義しましょう。フレーム内では、すべての動きと俳優がシーンを作成します。俳優の動きのダンスのようなフリーフォームに見えるかもしれません。彼が実際に踊っているのか、単にシンプルで強力なジェスチャーは、これらすべてのものの中に空間を作り出します。フレームとその空間は対称的であることができます。非対称の丸い線形拡張、窮屈な、または一見単純なフレーム内に何かを作成してショットをユニークにするすべてのもの。フレームなしでショットのタイプが言葉を示すことができるならば、言葉が厳しくまたは柔らかく冗談で言われる口調であるか、堂々としかし、あなたが言語を話すことを学ぶつもりなら、あなたは学ぶことができます。辞書内のすべての単語と、方法が分からない場合でも失われる。 一度日本語訳を全部打ち出しているので、ところどころ分からないところは省略しました。 
83 
ショットの設定でストーリーが決まります。それとオブジェクトにより出演者の説明だったり、小道具は華やかだったりを表現します。映画の照明がとても重要です。一般的な照明は三点照明でkeyLight FillLight Backlightでします。現在では様々な照明があります。深い影のあるハイライトはバロック絵画のような感じになります。ソフトライトはロマンチックな場面でつかいます。証明によって感情を表現することになります。昔はカラー処理は高額でした。色というものもシーンの雰囲気を大きく変化させることができます。スペースの使用についてショットで重要な部分を担います。外見と俳優のパフォーマンスを利用して何かフレームから巨大なものを単位的暗示することができます。 
84 
どのようにしてステージを配置するか、カメラからシーンを削除して、ディレクターの様子をみてみる。屋外でも、ショットの設定を選択し、シーンを設定する。屋内の実際の場所のセットかグリーンバックを使って合成する。最初は演者なしでリハーサルを行い、準備が整ったら演者ありで行う。小道具には紙製のチープなものから複雑で華やかなものまで幅広くある。キャラクターの違いは衣装やメイクでも表すことができる。カメラの前に登場する前からストーリーは始まっているということだ。そして証明。これは過大評価しなくともとても重要なものである。最も一般的な証明設定の仕方はクローズアップに最適な三点照明。また人工照明もよく使われる。色で塗りつぶして、光を当てる。暗い照明は人の輪郭を映し出す為に有効である。照明はあまり注目されないが、光によってストーリーに深みが増したり、言葉の裏にある人物の心情が表現できる。また色の調整という意味ではカラーグレーディングも外せない。カラーはもちろん、セピアやモノトーンが生み出す「味」もある。彩度やコントラストを調節をすることで表現の幅も広がる。また、フレームに映し出されるもののバランスもとても重要である。奥行や角度によって、何に注目を集めさせるのかが変わる。ひとつの映像をとってみてもこのように多くのことが計算し尽くされ、完成させられているのだ。 
85 
「How to Speak Movie Part 2: Mise en Scène」 前回のビデオでは、カメラの配置がいかにストーリーを台無しにしてしまうかという話をしましたが、それは基本的な用語に過ぎず、基本的なショット、ショットの真実の強み、ショットのユニークな資質は、メソンシンと呼ばれるフランス語の用語で、ステージ上に配置することによってもたらされます。 では、どのようにステージ上に配置するのでしょうか? ここでは、同じ場所が選ばれた後、最初にオブジェクトで埋め尽くされ、俳優が使用していない場合は、オブジェクトの後に行きます。 最初に近代的な設定として行われ、その後、それ自体が30歳若く、またはオブジェクトは、キャストでBisManを残した事故のためのこれらの写真のサービス博覧会の方法のような文字を示すことができます。時々、彼らはちょうど水がちょうど精巧なセットでKを示している方法を参照してください。テクスチャを追加することができます。オブジェクトは、俳優が使用することを意図しており、彼らは小道具と呼ばれています。これらの私の俳優と彼らは、これらのグランツと呼ばれています 。彼らはまた、武器のこれらの2つの文字の選択は、彼らの精神的な接続とイデオロギーの違いを強調する方法のような文字を表示することができます。文字はまた、衣装を通して表示することができます。紫の男に気づいたピアノはフィルで白であったが、それらを嫌っているドルの男は、すべての黒で服を着ている間、どのくらい言われているかを考慮しました。このキャラクターについて、彼らがどのように服を着ているか、これか、これか、これか、すべての化粧の下で、これらはすべてのものであり、カメラが回転する前にも、もちろん、カメラとアクションが来る前にも、照明は不可能なオーバーステイズされた、映画のために照明がどのように重要であるか、写真の各フレームと各写真は、人生のバウンスをキャプチャされているすべての被写体は、最も一般的な照明のセットアップは3です。 クローズアップに最適なポイント照明 そこに光のマシンの主なソースのキーの人生のモンスターがありますフィル光は、キーの光と背景にそれらを分離する被写体の背面を照らすバックによって作成された影で構築されたほとんどの照明で、この基本的なトライアドキーフィルとVacのいくつかのバリエーションを使用するように設定します。今そこに多くの多くの種類の人工照明技術の多くの多くのものがあると考えられ、1000の物事を考慮すると、開口部と焦点距離のガスストップの説明が必要ですが、それはシーンを自分でさせている場合にのみです。あなたの映画を見ている場合、それは、プロセスよりも結果を読むことがはるかに簡単です。突然、標準的な3つの ポイントスタイルベアーズハイ キー照明明るいライト明るい色の強い茶強いフィルと比較して、ライトが暗い雰囲気より地味な漏れる、非常に強力なバックライトは、地球の輪郭を強調する深い影と強いハイライトのミックスを圧縮することで、バロック様式のの影響を作ります。 ルネッサンスは暗い上に明るさの中で文字通り光暗いハイコントラストを意味するイタリア名のキアラスクーターと呼ばれていたルックのこの種のものは、道徳的な曖昧さとメランコリーシアトルスクーターストップメールChinleはハード照明明るい過酷なカイと呼ばれる技術を利用しています。 ライトは、同じタフなアングラーを作るハードシャドウを作成し、お世辞にも反対のコースは、ソフトな照明です。 光がエアフィルターを通って拡散し、被写体を包み込む、ロマンチックな照明です。 ほとんどの場合、照明は注意を引くことはなく、単にムードを設定し、カメラと被写体に自分自身を取らせるだけです。 現実的ではありませんが、その反対はもちろんやる気のある照明は、このショットでは、監督がやる気のある生活と創造的になることができますシーン自体の要素であり、上記の霧のような女性は、キーキャラクターを明らかに彼女の光をオンにし、光が行くと、文字が消える創造的な照明を作成するアカウントの仕事や初期の監督が使用する主要なツールの2つを明らかにします。 劇的に変化するであろうフィルム技術が改善され、何十年もの間、色で実験しているように、人々は色が白黒だったカメラは、人生でかかり、すべてを記録するだけで、それはそれに特定のシンプルさを持っているので、それだけでなく、フィルムの歴史映画の約半分のための光か暗いかどうかを購入しますが、色の処理は高額な価格を持っていたので 今、それは古典的なテープを持つ映画製作者のためのちょうど別の創造的なオプションですが、各フレームは、手が偽のカラーフィルム効果のために描かれた初期のカラー映画のいくつかの例がありますが、最も一般的な初期のカラー効果は、シーン全体のためのヒントは、あなたが前衛のより実験的なコーナーのための古い沈黙の外にこの多くを見ていない特定の色で浴びていますでした。 テンティングの最も有名な形態は何であるかガルド これはセピアトーンです これはそれに埃っぽい外観を与えたモノクローム時代の最も一般的な色の一つであり、その後、この有名な使用フィルム着色CPRはカンザス州の過酷な作業のために使用されていますが、一度ドロシーはオズに行く空想の世界は明るい鮮やかな色であるそれは映画製作者が制御することができます複雑なプロセスであるカラーフィルムアセトン用語をリストアップするのは簡単でしょう。 彼らは彼らのライトを制御することができますし、衣装の生産設計を介して、または映画の色が選択的に調整されているカラーグレーディングと呼ばれるプロセスを介してだけでなく、各シーンの挨拶のための独特の外観を含むちょうどすべての黒と白の映画制作者がやったが、私はまた、何でも色の光を調整する彩度を行うことができます 高度に飽和したシーンでの色の強度を調整する彼は右を感じて見ている それがポストで行われているか、フレーム内で構成されている場合は、これは、ショット内の支配的な色の画家のパレットの必要性のような映画の全体的なカラーパレットの作るが、パレットは全体のスペクトルまたは他の人を支配する単一の色への選択的な描画の注意を取って持って来ることができる全体のスペクトルを取ることができます。 不自然な緑は、風格のあるブラウンズの赤と金色は、それを感じるようにするアンティークdaturated赤黒と金色は、それを感じるようにするために、フィールドの近代的なライトとスティーリーサイオンを作るために評価されているエンジンを感じるように青とオレンジは、それを感じるようにするために、未来のダークナイトのためのリスティック黒と青は黄色の赤と緑は、明るい新しい一日のための組み合わせの無限の数があり、それぞれの1つは、まだそれが重要なことだ、コンテキストによって変化することができます。 最後にフレームの中で物事がどのように構成されているかを見てみましょうショットをショットにする最終的なものは、ショットスペースです我々はすでにショップの基本的なタイプをカバーしてきましたシーンをユニークにするフレーム内のスペースの使用は何千もの方法があるので、スペースについて話すには何千もの方法がありますショットを設定するために何千もの遊びがあるので、しかし、シンプルなものによって、いくつかの作成を見るための基本的な用語を定義してみましょう このショットは男女の対称性を強調していて、真ん中には子供がいる。このようなワイルドサイドは対称的なバランスを持っていて、前景のマスクの男と背景の椅子の男のバランスが取れている。 スペースの要素は、両方の遠くとシーンの前面にある人々からそれらの間の距離に注意を引くカメラの近くに物事についてのウィンドウ内の子供に戻ってすべての方法で子供の話をしていた浅い空間ジャスティナステージフラットリーでも上演することができます 浅い空間ジャスティナステージフラットリーは、最も重要なの一つもありますが、最も近い被写体と背景のオブジェクトを強調したり、さらには全く深さを意味していません スペース 大人のスクリーンスペース ラシーンはフレームの外にある何かに注目しているこのショットは、このチャートに座っているこの男の空間を拡大するための鏡である このチャートでは、フレームの外にある何か巨大なものを暗示するためにルックとアキュラのパフォーマンスを使用しています サンライズのパフォーマンスは、シーンを設定し、フレーム内の空間を作成するのに十分なものであるか? 私のダンスとは何か 女優の動きは重く振り付けられています 実際にダンスをしているのか、単純にパワフルなジェスチャーをしているだけなのか、それらのすべてがフレーム内の空間を作成します 。彼らは作成し、その空間は線形高価な忙しいまたは欺瞞的にシンプルな周りに対称的な非対称にすることができます。フレーム内の何かを作成することによって、ショットをユニークにするすべてのものを作成します。あなたは、あなたが言語を話すことを学ぼうとしているならば、あなたは辞書ですべての単語を学ぶことができますし、まだあなたが最後のビデオ編集とどのように単語の非公式な文を見て感謝の中でそれらを一緒に置く方法を知っていない失われることができるトーンである可能性があります。 
86 
映画を作るにあったって、色と光は非常に重要な役割をすることがわかりました。そして、まだモノクロだった時代には光の入り方によって色を表現することで、雰囲気を出したりその時の情景を描いていたことがわかり、面白いなと感じました。鮮やかな世界では激しい活発な印象、暗い世界では重たく深刻な印象のように物語をそのまま撮影したものを使うのではなく、色補正をしてよりその世界観に入り込める工夫をすることによって、印象が全然違うものになると感じました。 
87 
「How to Speak Movie Part 2: Mise en Scène」を見ました。 この動画では、「映画を撮るときに映像をよりユニークにするものは何か」を、衣装や小道具、光、色、バランスなどの観点に分けて説明していました。 衣装・小道具の観点では、セット、小道具、衣装などがどのような独創性をもたらすか説明していました。 例えば、水のセットはシーンの崩壊などを示し、武器のような小道具の使用はキャラクターの性格を精神的に結びつけていることを表します。 キャラクターの性格により服の色を変えることによりキャラクターのイメージが強調されたりします。 光の観点では、照明の大切性について説明していました。 役者の演じるキャラクターの感情によって光を使い分けることによって、映像を見ている人に、光のもたらす雰囲気から感情がどのようなものか伝えます。 色も照明と同じように、感情や状況に合わせて変えることが大切です。 暗いシーンではセピア、ファンタジーの世界を表したいときには、鮮やかで明るい色を、彩度の高いシーンは刺激的な印象を与え、彩度が低いシーンは荒凉とした印象を与えます。 色が与える印象はとても重要なのです。 そして、ユニークにするためには、画面内のバランスも大切になります。 バランス、空間を意識し、手前に写る人を対照的にするなど工夫をすることでよりユニークな印象を与えることができるのです。 
88 
How to Speak Movie Part 2: Mise en Scène 最初にオブジェクトを設定し、次に俳優を加えていく。 物語の背景設定をセットドレッシングで示す。 武器や衣装などの小道具を通して、キャラクターの性格と劇中での立ち位置を描写する。 最も一般的な照明は3点照明で、キャラクターのピックアップに適している。 キャラクターの輪郭を強調する際は低いキーのバックライトを当て、影を強調する際はハイライトを強くする。 シーンの雰囲気によってハードライティングとソフトライティングを使い分ける。 光の存在を強調したくない場合は、アンビエントライティングで形のみを作る。 モノクロ映画には色彩が存在しないので、照明による光の強さだけが全てとなる。 モノクロフィルムにカラーを加える場合、最も有名な色合いはセピア色で、寂れた雰囲気の描写にも使用される。 色と彩度の調整によって、同じ映像でも異なる雰囲気が作り出せる。 彩度が高ければ明るく刺激的な雰囲気となり、彩度が低いと陰鬱で荒涼とした雰囲気になる。 画面内の色を調整することで特定の色を際立たせ、見る側の視線を誘導することができる。 フレーム内のスペースを決める際は、対称性や距離感を使ってバランスをとる。 俳優の動作もスペースの活用に繋がる。 
89 
 私は「How to Speak Movie Part 2: Mise en Scène」と観ました。 MISE EN SCENEとはどのようにしてステージに配置するかなどの映画の全体的な外観を説明する用語ことです。  まずDECORが重要です。例えばSETTINGがあります。ショットの設定を選択してシーンを設定し、屋内の実際の場所のセットまたはグリーンスクリーン上で合成されまう。これはその場所が選択されるとシーンが発生する場所のことです。次に、最初にオブジェクトを使用し、次にアクターが使用されるSET DRESSINGがあります。これはそのスタジオのバックロットがどのようであったかを示すことが出来ます。より若いまたはオブジェクトは性格を示すことができます。キャストに残した行動の説明として役立つことがあります。次にPROPSがあります。紙のような単純なものから、複雑なものまで様々あります。次にSOCTUMEがあります。これはキャラクターの違いを、陽気な衣装によって示すことができます。例えば、ピアノは白とパステルカラーでしたが、それが嫌いな男は真っ黒な服を着ています。  次にLIGHTINGがあります。映画に照明はすごく重要なものです。一般的な照明設定の1つにTHREE-POINT LIGHTINGがあります。これはクローズアップに最適です。主な光源として機能するキーライト、キーライトによって作成された車道を埋めるフィルライト、そして被写体を後ろから照らすバックライトがあります。更に明るいライトであるハイキーライト、暗くするローキーライトなどもあります。  次にCOLORがとても重要です。しかし、カラー処理はとても高額でした。最も一般的な初期カラー効果はTINTINGです。シーン全体が特定の色で侵されている場所に色を付けると、これは見えません。最も有名な色合いの経緯s気の1つはSEPIA TONEです。ほこりっぽいモノクローム時代のフィルムに色合いを付けるための一般的な色です。今ではCOLOR FILMがあります。またCOLOR GRADINGというものがあり、色を選択的に調整することができます。  次にシーンをユニークにするフレーム内のSPACEの使用が重要です。ショットが協調するフレームに重みを与えるBALANCE、カメラに遠くと近くの両方の要素を配置して距離に注意を引くDEEP SPACE、被写体と背景のオブジェクトの近さを強調するSHALLOW SPACEなどがあります。 これらのDECOR、COLOR、LIGHTING、SPACEからMISE EN SCENEは構成されています。 
90 
私は解説動画を見て、たった一つのシーンを表現するのにここまでこだわっているのかと非常に感動しました。照明の当て方やキャストの服装、スペースを活用した構図の決め方などただ単に映画を見ているだけでは到底気づかないようなテクニックが駆使されているのです。また、近年映像が非常にきれいになってきたためごまかしがきかなくなってきたように私は感じます。どうしたらよりリアルにそして時には現実をも超えるような美しい映像を作れるかのこだわりが詰まった動画で見ていて非常に面白かったです。 
91 
ミザンセーヌは、演劇界および映画界において用いられる表現であり、おおまかに「作品の筋、登場人物を作り出すこと」を表す語であり、「演出」の訳語があてられる。もとは演劇から発生した言葉であり、字義通り訳せば「舞台に置くこと」の意である。映画批評において「ミザンセーヌ」という言葉が濫用されたため、永らく未定義語のままであったが、一般的に映画界においては「カメラに映るすべてのもの」を意味する。つまり、セット(装置)、小道具、俳優、衣裳、照明効果といったものである。またセットにおける俳優の位置や動き、「ブロッキング」と呼ばれるものも含まれる。 これより広義に「全ての視覚的要素」と解する説もあり、映像として映る部分のみならず、セット自体の見栄えといった意味も含むのだとする。また米国の映画批評家アンドリュー・サリスは、作品の感情的なトーンを示すのにこの言葉を使用している。また最近は、カメラを動かしてワンショットでシーンを撮るという方法を指すこともある。モンタージュ方式の映画作成、すなわちマルチアングルで撮影した断片をつまり編集を通じて組み合わせる映画作成法との対比で言及されることが多い。 いずれにせよ、「ミザンセーヌ」は、登場人物あるいは状況を、セリフ以外の方法で表現したいと映画監督が考えたときに必要となるものを指し、一般的には「凝ったセット」の意味で解するべきではない。 「ミザンセーヌ」は1910年代と1920年代のドイツ映画で効果的に用いられている。特に『カリガリ博士』(1920年)では登場人物の心象がセットデザインとブロッキングによって巧みに表現されている。 
92 
How to Speak Movie Part 3: Editingを選びました。画面切り替えのやり方がたくさん載っていました。早送りやカットや透明にしたり上から次の絵がきたりいろいろありました。途中のeye lineという出演者目線というのはよく映画で見ると思いました。 
93 
ミザンセーヌは、演劇界および映画界において用いられる表現であり、おおまかに「作品の筋、登場人物を作り出すこと」を表す語であり、「演出」の訳語があてられる。もとは演劇から発生した言葉であり、字義通り訳せば「舞台に置くこと」の意である。映画批評において「ミザンセーヌ」という言葉が濫用されたため、永らく未定義語のままであったが、一般的に映画界においては「カメラに映るすべてのもの」を意味する。つまり、セット、小道具、俳優、衣裳、照明効果といったものである。またセットにおける俳優の位置や動き、「ブロッキング」と呼ばれるものも含まれる。 これより広義に「全ての視覚的要素」と解する説もあり、映像として映る部分のみならず、セット自体の見栄えといった意味も含むのだとする。また米国の映画批評家アンドリュー・サリスは、作品の感情的なトーンを示すのにこの言葉を使用している。また最近は、カメラを動かしてワンショットでシーンを撮るという方法を指すこともある。モンタージュ方式の映画作成、すなわちマルチアングルで撮影した断片をつまり編集を通じて組み合わせる映画作成法との対比で言及されることが多い。 いずれにせよ、「ミザンセーヌ」は、登場人物あるいは状況を、セリフ以外の方法で表現したいと映画監督が考えたときに必要となるものを指し、一般的には「凝ったセット」の意味で解するべきではない。 「ミザンセーヌ」は1910年代と1920年代のドイツ映画で効果的に用いられている。 
94 
カメラの配置を決める方法は、パンとバターがショットの真実の強みを打つ基本的な用語。用語は、映画の全体的な外観を記述する広い用語。 
95 
How to Speak Movie Part 2 カメラをシーンから削除して、ディレクターが開始する装飾みてみると、屋外かどうかに関わらず、ショットの設定を選択してシーンを設定している。屋内は実際の場所か合成で行われる。最初にオブジェクトを使用し、次にアクターを使用する。 小道具は紙のようなものから、複雑なものまである。武器の選択は彼らの精神的なつながりとイデオロギーを強調する。キャラクターの服の色、着方でも違いを生み出せる。 光というものは、とても大切である。一般的な照明設定の1つは、3点照明である。主な光源として機能するキーライト。それによってできたシャドウをうめるフィルライト、そしてバックライトである。バックライトには人の輪郭を強調する効果もある。気分を設定してカメラと被写体に話しかけるだけで、様々な形を生み出すことができる。 フィルムの色は白黒でカメラは光を取り込んで記録する。カラーの処理は高額であった。セピア色というものが、よく使われた。時と場合に応じて、色というのも使い分けられていた。色の組み合わせでも、そのシーンの特徴生み出すことができる。 スペースの使用もとても大切である。それぞれのシーンでのスペースの使い方で、人間の対称的な人柄表したり、カメラに近づけることで遠くの注意を引くなど様々である。 
96 
連続して回すショットがある。 様々なカットの仕方。 スクリーンデレクション。 アクションに沿ったカメラの動き。 カメラが入ってはいけない想定線。 
97 
ミザンセン How to Speak Movie Part2:Mise en Sceneの動画を視聴しました。日本語訳をつける事ができず、字幕が英語だったため、内容をあまり理解する事ができませんでした。 シネマの世界では、俳優や女優が存在していて、その人たちが着ている服や小道具、明るい場面や暗い場面での光の調節、また白黒にしてみるなど、映画によって全く異なった色合いで撮影されていて、色によってどれも作品の良い味が出ていると思う。 こんなに色によって伝わってくるものが違うんだと感動しました。 映画の世界はすごく奥深いものだと思った。